Reediciones

Hemos revisado y modernizado los siguientes libros:

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Novedades

A continuación reseñamos las últimas novedades. También le invitamos a visitar el apartado “Reediciones”.

En un lugar de la Mancha

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Ignasi García Barba

Colección Espiral, Serie Teatro, CE421

80 páginas; formato: 15x 21 cm
ISBN: 978-84-245-1358-0
1ª edición


Tras la muerte de Don Quijote, Sancho Panza ha intentado volver a su antigua vida de labriega, pero no ha podido. Pesa demasiado en su ánimo el recuerdo de las aventuras que vivió con su señor y siente que de alguna manera le está fallando por no seguir con el cometido de satisfacer agravios, enderezar entuertos, castigar insolencias, y vencer gigantes. Y más en los tiempos que corren, en los que sigue habiendo tantas o incluso más injusticias que antes. Sancho además se ve capaz de intentar ser de nuevo gobernador de una ínsula porque, en vista de cómo gobiernan actualmente los políticos, piensa que él no lo hizo tan mal. Y ensaya ante una silla vacía el discurso en el que le expondrá a su esposa, Teresa, las razones por las que quiere irse.
Pero tras discutir con él, intentando infructuosamente disuadirle de sus intenciones, Teresa Panza decide mandar una carta a la famosa Duquesa aragonesa que lo hizo gobernan en la ínsula Barataria, con la esperanza de que el ascendente que tan alta señora tiene sobre su marido sea suficiente para hacerle desistir de su propósito.

Ignasi García Barba (Barcelona, 1964) es autor teatral, guionista y director escénico, licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y en Arte Dramático por el Instituto del Teatro de Barcelona.
Ha publicado, entre otras, las obras Marina, Mares de Hierba, Rutas de alto riesgo, Mientras el bosque crezca, entre otras.
www.ignasigarciabarba.com

Responsabilidad ética y economía global. Estudio sobre los denominados Objetivos de Desarrollo Sostenible como límites económicos, éticos y ecológicos de las empresas del futuro

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Luis Martínez de Velasco

Colección Ciencia, Serie Economía, Política y Sociología, CC364

168 páginas; formato: 13,3 x 19,3 cm
ISBN: 978-84-245-1357-3
1ª edición

Que las empresas capitalistas del futuro tienen que respetar –si es que quieren sobrevivir– unos límites mínimos (éticos, ecológicos) y máximos (económicos) es un síntoma, una especie de cartel indicador: hay que atenerse a ciertas restricciones y hay que hacerlo siguiendo una determinada dirección. Los denominados Objetivos de Desarrollo Sostenible vienen a dibujar, con su presencia, el horizonte de una economía racional. Representan una victoria póstuma de Keynes y, de forma más lejana y profunda, de la economía política clásica, que desemboca y alcanza su culmen con Marx. La actividad económica debe responder de forma ineludible a
una planificación, y debe hacerlo siguiendo estrictos criterios de equidad y de sostenibilidad.

Luis Martínez de Velasco es profesor de Filosofía de Enseñanza Secundaria en el Instituto Menéndez Pelayo de Getafe (Madrid) y ha impartido cursos de doctorado en la UNED desde 1992 a 2012. Algunos de sus escritos han sido recomendados en libros, manuales y artículos especializados tanto españoles como extranjeros. Tras La casa de cristal. Hacia una subversión normativa de la economía (escrito en 1993 en colaboración con Juan Manuel Martínez Hernández) y El espejismo de la
economía. Análisis de una ciencia bajo sospecha (2014; ambos en esta misma editorial), aparece ahora este libro concebido por su autor como un proyecto a corto plazo de investigación empírica. Del epílogo se ha encargado su viejo amigo y colaborador, el filósofo Juan Manuel Martínez Hernández.

Sexo básico. De los genitales al cerebro, de la fecundación a la vejez

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Silberio Sáez Sesma

Colección Ciencia, serie Psicología CC363

224 páginas, formato 15x21cm
ISBN: 978-84-245-1352-8
1ª Edición



Hombres y mujeres, identidades. Homos y heteros, orientaciones. Mandatos sociales y modelos a seguir, roles y estereotipos. ¿Qué somos y por qué lo somos? Bienvenido al apasionante mundo del sexo y todas sus consecuencias. Somos hombres y mujeres. Detrás de esta obviedad, si nos preguntamos ¿por qué?, se esconde una de las realidades científicas más complejas y atrayentes. ¿Es determinante lo biológico? ¿O son los mecanismos sociales y educativos los que dan más o menos relevancia a estas etiquetas, que deberían ser cuestionadas en aras de una sociedad más igualitaria? Más allá de la discriminación social y una vez neutralizada, ¿hombres y mujeres seríamos iguales? Y esta realidad esencial del sujeto: ¿se vive del mismo modo a lo largo del trayecto vital?
El temor a la discriminación ha llevado a negar la diferencia sexual como un valor, amparados en los deseos sociales de igualdad. A contracorriente, y sin temor a desdecir lo políticamente correcto, este volumen ofrece un desarrollo argumentado para entender el sexo de forma distinta. Expone de forma diferencial cuestiones referidas a la identidad, la orientación y el desarrollo diferencial de hombres y mujeres.
Nuestra lógica de reflexión pretende ser coherente con los datos científicos, aunque en ocasiones nos lleve a discrepar con planteamientos tanto conservadores como progresistas.
Sexo básico propone un enfoque novedoso del tan traído y llevado sexo. Un recorrido vital por esta dimensión humana con el más absoluto rigor científico, pero sin perder el sentido del humor y sobre todo… sin necesidad de “hablar de lo de siempre”; para adentrarnos en una propuesta nueva y valiente, desde la diferencia.

Marta Schinca, precursora del teatro de movimiento. Volumen I: Manual del método Schinca de expresión corporal

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Helena Ferrari

Colección Arte, serie Teoría Teatral CA213

224 páginas, formato 21x26 cm
ISBN: 978-84-245-1356-6
1ª Edición


Este libro presenta un sistema de educación corporal aplicado a la pedagogía del movimiento en general y del actor en particular a través de la metodología creativa establecida por Marta Schinca dentro de la disciplina denominada Expresión Corporal o Técnica y Expresión del Movimiento. En sus páginas puede verse cómo el método Schinca es un amplio sistema de enseñanza y creación, pues propone un vocabulario corporal claro y preciso y establece unos procedimientos de exploración y composición abiertos, es decir, que permiten la búsqueda personal. Dichos procedimientos de trabajo nada tienen que ver con protocolos de ejercicios estándar, que en sí mismos contienen unas reglas fijas que, tarde o temprano, matan la capacidad de búsqueda necesaria para crear y evolucionar.
La inteligencia y a la vez dificultad del método Schinca se caracteriza por aportar una gramática propia del lenguaje corporal y un conocimiento que, en “buenas manos”, se convierte en un sistema de creación infinito, planteando diversas vías de reflexión y evolución. En “buenas manos” quiere decir que el pedagogo o el director debe saber realizar la conducción del proceso de descubrimiento del alumno, ya que no se trata de leer una receta en un libro, sino de haber adquirido los conocimientos pedagógicos para impartir una metodología creativa. Esta implica no solo el dominio de la técnica sino también la capacidad del pedagogo para saber administrar las herramientas de modo que actúen como llaves capaces de conectar al estudiante con sus procesos internos, su memoria, su imaginario, en una palabra, con su creatividad y su potencialidad comunicativa.
Los resultados del método aquí descrito pueden seguirse en un segundo volumen titulado Marta Schinca, precursora del teatro de movimiento. Volumen II. Análisis de espectáculos. La profesora Helena Ferrari completa en sus páginas esta aproximación al trabajo de Marta Schinca con un estudio de los montajes de su compañía y propone un sistema de construcción y análisis de espectáculos gestuales.

El hombre en la isla / La agonía florida de Carlos Brito

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Santiago Araúz

Colección Espiral, serie Teatro CE419
206 páginas, formato 11,3x20,3 cm
ISBN: 978-84-245-1353-5
1ª Edición

Con esta nueva publicación Santiago Araúz vuelve a dar muestras de su ecléctico talento: dos géneros, teatro y novela; dos encuadres, la Europa post-napoleónica y el paisaje iberoamericano del siglo pasado; y dos enfoques, su ya conocida dramatización del personaje histórico y el relato del héroe anónimo, acompañan al lector a través de estas historias de lucha, poder y fracaso.
El hombre en la isla narra los últimos días de Napoleón junto a su confidente Jacques y el conspirador Hudson Lowe. A través de un arriesgado ejercicio de anacronismos, que invitan a una reflexión sobre el carácter cíclico de la Historia y sus errores, el autor va revelando la tristeza y los miedos de un vencido Buonaparte, sus lecciones sobre gobierno y traición y su contumaz enamoramiento de su mujer Joséphine.
La agonía florida de Carlos Brito es también, y de forma completamente diferente, una reflexión sobre el poder y la derrota. Su protagonista, un idealista limpiabotas, recorre cientos de kilómetros con la ingenuidad como mochila, dispuesto
a mediar entre mineros y patronal. La prosa es un poderoso ejercicio lingüístico, en la que el autor maneja con maestría el exquisito léxico de la América rural.
Santiago Araúz de Robles nació en Molina de Aragón en 1936. Ha publicado veintisiete libros en las modalidades de novela, relato corto, poesía y ensayo. Ha recibido, entre otros, los premios Tigre Juan, de novela, Ámbito literario, de poesía, Hucha de Oro, Carta de Oro o Pedro Antonio de Alarcón y fue finalista en el Premio Nacional de Literatura de Ensayo, Miguel de Unamuno. Fundamentos ha recogido su obra dramática en Mi nombre, Albert Camus (2009), Trece cartas (Encuentros con Graham) (2010), ¿Qué hay, Marilyn? / El Corpus Chico (2012) y Nadie abate el muro y cuatro relatos breves (2015).

Teatro Yeses: conciencia, voluntad y coraje

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Elena Cánovas, y Milagros Sánchez Arnosi (ed.)

Colección Espiral, serie Teatro CE418
272 páginas; formato 15x21 cm.
ISBN: 978-84-245-1346-7
1ª Edición

La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna.
La Biblioteca Temática RESAD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas.
     Esta edición quiere dar visibilidad al teatro que ha realizado Yeses a lo largo de más de 30 años, en los que ha producido más de 42 montajes, ha cosechado premios muy importantes y ha superado múltiples dificultades. Las ocho obras que aquí se ofrecen son representativas del método de trabajo de esta atípica compañía y concentran dos de los objetivos perseguidos por el grupo: el teatro como instrumento regenerador, convertido en un modo de inclusión social –lo que le emparenta con el pensamiento de Clara Campoamor, Concepción Arenal, Victoria Kent y Rivas Cherif–, y la concienciación del público que asiste a las representaciones de Yeses; al que se intenta sensibilizar sobre la libertad, la igualdad y la justicia social.
     Como complemento, se ha trazado una historia del nacimiento, desarrollo y evolución del grupo, explicando sus características estéticas más sobresalientes –con especial atención a los textos de creación colectiva propia– y aclarando en notas a pie de página determinadas expresiones, conceptos o referencias culturales.

Elena Cánovas es titulada en Interpretación y Dirección por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD), graduada en Criminología por la Universidad Complutense de Madrid y funcionaria del Cuerpo Especial de Instituciones Penitenciarias. Como fundadora y directora de la compañía Teatro Yeses, formada por mujeres presas y actores profesionales, ha sido merecedora de los siguientes premios: accésit Calderón de la Barca 1990 del Ministerio de Cultura, Medalla al Mérito Penitenciario 1996, Mujer Creadora 2006, Dionisos de Teatro de la UNESCO 2007, Mujeres en Unión de la Unión de Actores 2008 y un Max a las Artes Escénicas 2017 de la SGAE.

Milagros Sánchez Arnosi
es licenciada en Literatura Hispánica y Periodismo, catedrática y profesora de Lengua y Literatura. Ha sido crítica literaria en Ínsula, La Estafeta Literaria, Arbor y Cuadernos Hispanoamericanos, entre otras revistas literarias, así como en la 2 de Televisión Española. Ponente en diferentes congresos sobre autores del siglo XX y asesora literaria de Educa Red, es también autora de múltiples ediciones críticas de teatro contemporáneo.

Teatro. Promoción RESAD 2016

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Alumnos de la Resad: Xus de la Cruz, Álvaro Jiménez Angulo, Paula Llorens, Paz Palau, Silvana Pérez Meix y Beatriz Velilla

Colección Espiral, serie Teatro CE420

352 páginas; formato: 11,3 x 20,3 cm
ISBN: 978-84-245-1355-9
1ª edición

Decía Chejov que el arte escénico es un campo por donde no se puede andar sin tropiezos, y, por lo tanto, se debe estar preparado para los traspiés y para, a pesar de todo, "seguir con empeño, como un fanático, tu propia línea". Esto lo saben bien los autores de este volumen: Xus de la Cruz, Álvaro Jiménez Angulo, Paula Llorens, Paz Palau, Silvana Pérez Meix y Beatriz Velilla, todos ellos egresados de la promoción 2012-2016 de la RESAD. Esto es lo que han vivido durante sus cuatro años de aprendizaje; buscar su propia línea, su estilo de voz, su espacio, el espacio escénico desde el que se comunican con el otro con quien comparten sus preocupaciones, sus gritos, sus confidencias; y siempre el bienestar y la adrenalina que sienten cuando están en su sitio: un folio en blanco que se va llenando de palabras que echan a volar hasta el escenario. El vuelo no es fácil, ya lo dice el maestro Chéjov, y la voz, la de cada escritor, a veces se escondeentre múltiples emisoras, entre otras voces, se silencia, se acobarda, desaparece: han sido voces fallidas. Pero siempre hay alguna tenaz que se abre paso entre el ruido, al principio como un hilo casi insonoro, lo que obliga a estar muy atento para escucharla.

Marga Piñero

William Layton: La implantación del Método en España

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Javier Carazo Aguilera

Colección Arte, serie Teoría Teatral CA212
240 páginas; formato 17x24 cm.
ISBN: 978-84-254-1351-1
1ª Edición

La historia de la interpretación en España y, por ende, la de la formación de actores, cambió radicalmente cuando en 1958 un americano llamado William Layton decidió instalarse en estas tierras para enseñar una técnica que hasta entonces solo se conocía por los actores y las películas estadounidenses: el famoso Método. Pero no el Método del Actor’s Studio comandado por Lee Strasberg, sino el aprendido con Sanford Meisner. Y con él el teatro español retomó esa corriente modernizadora que se había cortado de raíz con el estallido de la guerra civil y la posterior dictadura, ahogando los esfuerzos de Cipriano de Rivas Cherif, Margarita Xirgu o María Teresa León.

Desde el primer viaje en 1955, mientras acompañaba a Agustín Penón en las investigaciones sobre García Lorca y su lugar de enterramiento, Layton percibió las carencias de los actores españoles y la necesidad de una renovación, largamente retrasada, en la técnica interpretativa. A partir de 1960, con la sucesiva fundación de sus propias escuelas-agrupaciones teatrales, más su experiencia docente en recintos públicos y la adhesión de Miguel Narros y José Carlos Plaza, dos nombres claves en su trayectoria y en la escena española, consiguió implantar y desarrollar una metodología para actores que hoy se alza como mayoritaria en los estudios de arte dramático.

Entre sus aportaciones destacan: la creación de una de las primeras academias privadas de teatro, la aplicación del Método en los montajes escénicos y una dignificación del actor –profesión bastante vapuleada en España–. Al adaptarse a la idiosincrasia del intérprete de aquí, esta enseñanza terminó por derivar en el Método Layton. Una fórmula propia que ha saltado a la dramaturgia (en los planes de estudio, en los textos o en los guiones) y a la dirección de escena, con el imprescindible análisis de texto y el trabajo de mesa.

Javier Carazo Aguilera es actor titulado por la RESAD (1990), periodista por la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM (1989) y doctor en Historia y Teoría del Teatro por la UCM (2015). Profesor en varias escuelas de teatro y en diversos centros de cultura municipales de la Comunidad de Madrid, ha actuado en distintos montajes, además de dirigir algunas producciones. Como periodista ha formado parte de las redacciones de Cinco Días, El Periódico de Cataluña, Tribuna y El Nuevo Lunes.

Rafael de León. Teatro completo

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David Pérez Rodríguez (ed.)

Colección Espiral, Serie Teatro, CE414
576 páginas; formato: 15x21cm
ISBN: 978-84-245-1326-9
1ª edición

La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna. La Biblioteca Temática RESAD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas.

Rafael de León es sin duda uno de los compositores más prolíficos de la historia musical de nuestro país. Destacado poeta de la Generación del 27, su nombre estará para siempre ligado a la historia de la canción española: formó junto a Antonio Quintero y Manuel Quiroga el más famoso trío de letristas del siglo pasado. Coplas como “La Parrala”, “A tu vera”, “Ojos verdes”, “Tatuaje”, o el pasodoble por excelencia “Francisco Alegre” dieron color a la España triste de la posguerra.

Y, sí, Rafael de León también escribió teatro, en total ocho piezas de las que reunimos las siete que se han conservado, precedidas de un ensayo crítico. Acompañan los textos páginas manuscritas y partituras con anotaciones realizadas por el propio autor y publicadas aquí por primera vez. Las obras recorren décadas de teatro español mostrando una evolución que va desde los años 30, con piezas andalucistas del gusto del gran público, hasta la vuelta al clásico a finales de los 60, pasando por la experimentación teatral intimista destinada a una audiencia de criterios más refinados. Nos hallamos pues ante un material prácticamente inédito, ejemplar inexcusable para estudiosos y aficionados al teatro y la canción española del siglo XX, que encontrarán en estas páginas muchos elementos de nuestra identidad cultural.

David Pérez Rodríguez es doctor en Filología Hispánica y profesor del Departamento de Lengua Española de la Universidad de Valladolid. En 2012 publicó un exhaustivo estudio del pintor y compositor de cuplés Juan Martínez Abades. Igualmente reconocida ha sido su labor como creador de ficción con varios premios literarios y publicaciones de relatos tanto en revistas especializadas como en antologías.

Nuevos asedios al teatro contemporáneo: siglos xx y xxi (España-Francia-América)

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Béatrice Bottin (coord.)

Colección Arte, Serie Teoría Teatral, CA211
352 páginas; formato: 17x24cm
ISBN: 978-84-245-1339-9
1ª edición

Los veintiséis estudios aquí reunidos analizan las nuevas dramaturgias y puestas en escena en los siglos XX y XXI, haciendo hincapié en la evolución formal del texto dramático, las innovaciones en los montajes, y la comunicación, a veces incluso participación, con el público. Este nuevo teatro calificado por Hans-Thies Lehmann de “posdramático” presenta rasgos específicos propios, es transgresor y mestizo, recurre a Internet y cuenta con la presencia del vídeo para multiplicar y desdoblar los espacios.

Es objetivo prioritario de los autores dar cuenta del alcance y la difusión de estas nuevas creaciones, y de la incorporación a la cartelera española y francesa de gran parte de la dramaturgia contemporánea española, hispanoamericana y quebequense que ha saltado de las salas alternativas a nuevos circuitos donde se escuchan también otras lenguas nacionales.

El teatro ya no tiene fronteras lingüísticas y se puede asistir a un gran número de espectáculos en versión original, subtitulados o traducidos, lo que posibilita la difusión de la creación dramática entre las diversas áreas lingüísticas.
Estas páginas destacan también el papel educativo y pedagógico del teatro y su contribución a la integración social y al conocimiento cultural. La dramaturgia contemporánea, y, en general, las artes escénicas, representan un grito de rebelión pacífica en una sociedad cada vez más marcada por la violencia de los extremos que precisa ser denunciada y combatida. El nuevo teatro transmite un mensaje político, propone una visión crítica de la sociedad e invita al público a la reflexión y a la participación activa dentro del espectáculo.

Béatrice Bottin es profesora en la Universidad de Pau et des Pays de l’Adour (Francia) y traductora jurada francés-español. Especialista en la cultura, la sociedad y el teatro de los siglos XX y XXI, ha publicado numerosos trabajos sobre dramaturgia, espacios de creación y representación y artes plásticas. Colabora en equipos de investigación internacionales sobre escena, historia y literatura contemporánea. Entre sus publicaciones destacan el monográfico José Martín Recuerda aux prises avec l’Histoire. Dramaturgie et mise en scène y la coedición del volumen El humor y la ironía como armas de combate: literatura y medios de comunicación en España (1960-2014).

El perfeccionista. Hacia una poética del trabajo

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Juan Ramón Jiménez
Edición al cuidado de Christopher Maurer y traducción de Andrés Soria Olmedo

Colección Espiral Hispano - Americana, EH65
160 páginas; formato 14x21 cm.
ISBN: 978-84-254-1340-5
1ª Edición

Si la palabra poeta significa hacedor, ¿quién mejor para hablarnos del trabajo que un gran poeta, hechizado por la perfección? En estas páginas, Juan Ramón Jiménez revela sus secretos sobre la escritura y su posterior revisión, y examina las dimensiones sociales y éticas del “trabajo gustoso”, emprendido con placer y delicia.
El resultado es una guía de valiosos principios rectores, útil no solo para poetas y escritores, sino para todos los que ven el trabajo como “disciplina y oasis”, “crisol y capricho”; en definitiva, un manual indispensable para quienes sueñan con realizar el trabajo perfecto.


“Este es un librito maravilloso. [...] Nos cuenta que la poesía proviene del silencio, que olvidar es más creativo que recordar, que un poema ha de ser relativamente breve para poder percibir en él la lucha entre picardía e inteligencia, que el hablar de poesía debería resultar interesante.” —Robert Bly

“Maurer proporciona un amplio contexto para las máximas de Jiménez, para que comencemos a conocerlo como persona, poeta y filósofo. Los aforismos son maravillosas píldoras de sabiduría.” —Booklist

“Maurer ha creado una joya de libro, una fecunda fuente de conocimientos para los buscadores de la perfección en distintos ámbitos.” —Publishers Weekly

"Los consejos de Juan Ramón sobre la escritura y la lectura se aplican a la vida." —Christopher Maurer (Cuarto Poder)

Pocos autores han analizado tan minuciosamente el trabajo, la poesía y la poética del trabajo como Juan Ramón Jiménez, ganador del Premio Nobel y maestro de toda una generación de poetas españoles y extranjeros. En esta serie de sabrosos aforismos y poemas, Jiménez aborda los elementos del trabajo perfecto, y Christopher Maurer los aplica y extiende acertadamente más allá de la escritura a otros ámbitos de la creación.
Con pasión, humor y algún arranque de desprecio, reflexiona Jiménez sobre la relación del escritor con la muerte, los sueños y la naturaleza, y busca el justo equilibrio entre instinto e inspiración; memoria y olvido; el silencio, el ritmo y el ruido; el amor y el arrepentimiento.
Se nos revela así una visión juanramoniana de la perfección, no como un objetivo abstracto y distante ni como ausencia de defectos, sino como un “fervor interminable” que vivifica las horas y los días de trabajo. La perfección siempre es cosa de llegar a ser, un recorrido, no una meta, el proceso del hacer, no la cosa hecha. Para Juan Ramón los principios de la buena escritura conforman también el camino a una vida mejor.
Al brindarnos esta selección ordenada y comentada con precisión y acierto, Maurer ofrece unos exquisitos bocados, recopilados cuidadosamente entre todos los aforismos de un gran poeta, maestro de la poesía y defensor del “trabajo gustoso”.

Juan Ramón Jiménez (1881-1958) fue uno de los más grandes poetas españoles del siglo XX, maestro de Federico García Lorca y de toda la generación del 27, autor de poemas y poemas en prosa que cambiaron el rumbo de la poesía española y extranjera. En 1956 recibió el premio Nobel de Literatura por el conjunto de su obra.

Christopher Maurer, profesor de Literatura Española en la Universidad de Boston, es autor de numerosos estudios de la poesía española de los siglos xvi a xxi y editor de la correspondencia, las conferencias y de la poesía completa de Federico García Lorca.

Andrés Soria Olmedo es catedrático de Literatura Española en la Universidad de Granada. Ha trabajado sobre todo en literatura del siglo xvi y del primer tercio del siglo xx. En 2013 fue comisario junto a Christopher Maurer de la exposición Back Tomorrow: Federico García Lorca / Poet in New York (Biblioteca Pública de Nueva York).

Canciones 1 de Bob Dylan

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 Bob Dylan

Colección Espiral, serie Canciones CE96
192 páginas; formato 13x21 cm.
ISBN: 978-84-245-1347-4
10ª ed. revisada

¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre
Antes de que le llaméis hombre?
¿Cuántos mares debe surcar la blanca paloma
antes de dormir sobre la arena?
¿Cuántas veces deben volar las balas de cañón
Antes de ser prohibidas para siempre?
La respuesta amigo mío, está flotando en el viento,
La respuesta está flotando en el viento.

Desde sus comienzos, Bob Dylan cantó pensando en los desheredados y marginados. Para ello utilizó y revitalizó la tradición popular de su país: las baladas del Norte y los blues del Sur. De este modo, introdujo en la canción moderna elementos tradicionales y sociales mientras ligaba sus composiciones a sus experiencias personales.

Como muchos otros muchos jóvenes de los convulsos años sesenta Bob Dylan buscaba nuevas vías de expresión con su música. Hoy en día seguimos identificándonos con estas canciones porque todas ellas nos traen los ecos de un viejo y feliz sueño del hombre: la consecución de un mundo nuevo.

El 13 de octubre de 2016, Dylan se convierte en el primer cantante en recibir el premio Nobel de Literatura. Con este galardón la Academia Sueca reconoce su talento para “crear una nueva expresión poética dentro de la gran tradición americana”. Bob Dylan cuenta además con un Óscar, un Pulitzer, diez Grammy y el premio Príncipe de Asturias.

En este primer volumen de canciones de Bob Dylan se incluyen las letras originales y su traducción al castellano de los siguientes elepés publicados entre 1961 y 1965: Bob Dylan, The Freewheeling Bob Dylan, The Times they Are A-Changing, Another Side of Bob Dylan, Bring it All Back Home y Highway 61 Revisited. El recorrido continúa en Bob Dylan, canciones 2, el número 97 de esta misma colección.

Canciones 2 de Bob Dylan

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Bob Dylan

Colección Espiral, serie Canciones CE97
192 páginas; formato 13x21 cm.
ISBN: 978-84-245-1348-1
8ª ed. revisada

Erigido en referente musical y cultural, Bob Dylan consiguió una auténtica revitalización de la canción moderna a través de los elementos sociales, tradicionales y folklóricos que le supo incorporar. Y esta renovación tan personal ha marcado una evolución incuestionable en lo artístico que permanece hasta nuestros días.

Versionado, copiado y utilizado como fuente de inspiración por innumerables artistas, el prolífico Bob Dylan gestó una serie de composiciones memorables cuya intensidad poética las convierte en expresiones atemporales de la sensibilidad humana. El 13 de octubre de 2016 la carga lírica de sus letras le conduce a recibir el más alto galardón de la literatura universal: el premio Nobel. La Academia Sueca destacó su papel como creador de “una nueva expresión poética dentro de la gran tradición americana de la canción".

En este segundo volumen de canciones de Bob Dylan se incluyen las letras originales y su traducción al castellano de los siguientes elepés publicados entre 1966 y 1974: Blonde on Blonde, John Wesley Harding, Nashville Skyline, New Morning, Planet Waves y Blood on the Tracks. Los álbumes anteriores en Bob Dylan, canciones 1, el número 96 de esta misma colección.

Teatro. Piezas breves curso 2015-2016

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Alumnos de la Resad: Tamara Gutiérrez, Nuria Hernando, Jorge Navarro de Lemus, Adrià Raluy, Ana de Vera y Michael Wilson

Colección espiral, serie teatro CE417
168 páginas; formato: 11,3 x 20,3 cm
ISBN: 978-84-245-1344-3
1ª edición

Tamara Gutiérrez, Nuria Hernando, Jorge Navarro de Lemus, Adrià Raluy, Ana de Vera y Michael Wilson han tomado la decisión de pulir, con la mirada de un farero, que se sabe solo y acompañado a la vez, las páginas que construyen este libro.
En los mundos trágicos que han sugerido Tamara y Nuria hay paisajes del Norte, tierras de eucaliptos y niebla. En sus páginas encontramos el dolor de no ser, porque el entorno, la ley y el poder impiden la felicidad, o la coartan. En sus obras hay familias escindidas, niños que sueñan, palabras no dichas, lindes y minas. En sus palabras hay recuerdos de una naturaleza herida, y a veces amenazante. En sus páginas encontramos el sueño de un mundo que podría ser mejor, pero donde las cicatrices van habitando los cuerpos y las imaginaciones.
En los mundos cómicos de Ana, Jorge, Adrià y Michael hay homenajes; al género del western, a los años de la España de la transición, de Naranjito y fútbol a destajo, a las historias gamberras de convivencia juvenil y de viajes al interior de nosotros mismos. Hay amor al cine, al arte, a la Historia, a la historia de la amistad, hay amor al amor. Hay preguntas sobre lo que nos hace ser las personas que somos; nuestras torpeza, nuestro talento procastinador, nuestras mentiras compulsivas. Hay preguntas sobre lo difícil que es cumplir nuestros propios sueños, enfrentar las cosas que elegimos hacer. Sobre lo difícil que es perdonar y volver a ser, volver a empezar.

Itziar Pascual

Los mares de Caronte

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Concha Fernández Soto y Francisco Checa y Olmos (eds.).

Colección Espiral serie Teatro CE416
302 páginas; formato: 11,3 x 20,3 cm;
ISBN: 978-84-245-1345-0
1ª edición

La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna. La Biblioteca Temática RESAD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas.
El presente volumen reúne una selección de diecinueve textos breves escritos por diecisiete dramaturgos y dramaturgas de distintas promociones y lugares de la geografía española. Todos ellos comparten una msima sensibilidad: son interpelados por el impacto emocional de las migraciones y manifiestan la necesidad urgente de abordar estas temáticas debido a su enorme repercusión social. Los protagonistas de sus obras son exiliados, inmigrantes y refugiados, pero también aparecemos "nosotros", los que estamos, generando contrapuntos dramáticos que devienen en antítesis irreconciliables: africano frente a europeo, Oriente frente a Occidente, el que se queda frente al que se va, ellos frente a nosotros.
Textos de: Paco Bezerra, Antonia Bueno, Juana Escabias, Ozkar Galán, Raúl Hernández Garrido, César López Llera, Gracia Morales, Fernando Olaya, Diana de Paco, Paloma Pedrero, Carmen Resino, Laila Ripoll, Némer Salamún, Vanesa Sotelo, Pedro Víllora, Antonio Zancada y Alfonso Zurro. Ilustraciones de Patxi González y Carmen Resino.

Concha Fernández Soto es doctora en Filología Hispánica por la Universidad de Almería y profesora de enseñanza secundaria. Sus líneas de investigación se centran en el cine y teatro español de entre siglos y sus relaciones con el género y la interculturalidad. Es miembro del Laboratorio de Antropología Social Cultural (LASC) y del Centro de Estudio de las Migraciones y las Relaciones Internacionales (CEMyRI), ambos de la Universidad de Almería.

Trilogía hispánica

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José Arias Velasco

Colección Espiral, serie teatro CE415
168 páginas; formato 11,3 x 20,3 cm.
ISBN: 978-84-245-1336-8
1ª edición, octubre 2016

Con más frecuencia de la que se suele creer, las vidas humanas desembocan en el océano de la muerte, a través del delta del suicidio. Los protagonistas de las tres piezas que integran esta Trilogía hispánica pusieron fin a sus vidas voluntariamente.
Moctezuma Socoyóitzin, el penúltimo emperador mexica, pagó su transitoria debilidad ante el ambiciosos Cortés, afrontando la cólera de su pueblo sublevado, que le lapidó afrentosamente. Su muerte marcó el principio del fin de toda una cultura.
El general Prim quiso purgar un pasado de gobernador colonial sanguinario. Rechazó la escolta de hombres armados que le fue ofrecida y, en la gélida noche madrileña, tan lejos en el tiempo y el espacio de su infancia catalana, afrontó inerme las balas de una conjura anunciada.
El octogenario Francisco de Goya, antiguo pintor del rey de España, pasó los últimos años de su vida exiliado en Burdeos para escapar de la Inquisición. Una carta de su íntimo amigo, el afrancesado Leandro Fernández de Moratín, que la red nos ha conservado, nos ayuda a desvelar la causa de su muerte. La última preocupación del viejo artista fue la de asegurar un futuro digno a su compañera y a la hija de ambos. La codicia de los descendientes legítimos hizo frustrar este anhelo. A los pocos días de este episodio, el pintor sufrió una caída, que cabe interpretar como un suicidio subconsciente. Pocos días después murió en su cama.

José Arias Velasco (Valladolid, 1934) fue en los años setenta, uno de los autores del Nuevo Teatro Español, con obras como La decoración del hogar (1968), La corrida de toros (1968) o Trilogía de los negocios (1972), estrenadas en el Festival de Sitges. En 1974 decidió cerrar su tienda de teatro. En el año 2011, el viejo autor estrenó en el Teatre del Raval de Barcelona el musical La vampira del Raval con partitura de Albert Guinovart. La obra alcanzó más de cien representaciones.

Principales estereotipos femeninos en la publicidad radiofónica española

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Susana Guerrero Salazar y Eva Mª Gil Benítez

Colección Ciencia, serie Género CC360
224 páginas; formato:13,3 x 19,3 cm.
ISBN: 978-84-245-1342-9
1ª edición

El presente volumen analiza los roles y estereotipos referidos no solo a las mujeres, sino también a los hombres en la publicidad radiofónica: los modelos tradicionales, repetidos a lo largo de los años, y la lenta irrupción de algunos cambios en los últimos tiempos.
Con este propósito, se divide el estudio en dos apartados fundamentales: un análisis de los roles y estereotipos en el ámbito privado, donde se tratan temas como la maternidad y la paternidad, las relaciones de pareja, la infancia, la belleza o la salud; y otro en el ámbito público, que incluye la publicidad referida a los cursos de formación y  profesiones, las compras, o el papel de las mujeres como conductoras, como vecinas, o en su relación con las organizaciones no gubernamentales.


Eva Mª Gil Benítez obtuvo el doctorado por la Universidad de Málaga (UMA)  con sus tesis Mujeres y hombres en el discurso publicitario radiofónico (2004-2010). Experta en Género e Igualdad de Oportunidades, es miembro de de la Junta Directiva de la Asociación de Estudios Históricos sobre la Mujer. En 2015 recibió el Premio de la Cátedra de Género "Leonor de Guzmán" por el trabajo El androcentrismo en la publicidad radiofónica. 
Susana Guerrero Salazar
es doctora en Filología Hispánica y profesora en la UMA. Ha sido coordinadora del Programa Interuniversitario Andaluz de Doctorado: Estudios de las mujeres y de género y pertenece a la Asociación de Estudios Históricos sobre la Mujer, de la que ha sido presidenta y vicepresidenta. En 2004, recibió un reconocimiento por parte del Instituto Andaluz de la Mujer por su labor en pro de la igualdad. En la actualidad dirige el Máster de Igualdad y Género de la UMA.

Sexualidades periféricas

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Nuria Godón y Michael J. Horswell (eds.)

Colección Ciencia, serie Género CC361
300 páginas; formato: 13,3 x 19,3 cm.
ISNB: 978-84-245-1341-2
1ª edición

Las representaciones literarias y fílmicas de la sexualidad en España, además de nutrir fantasías socioculturales, adquieren un rol importante en la negociación entre identidad y hegemonía. Los estudios compilados en este volumen indagan sobre cómo las sexualidades periféricas renegocian su posición dentro de la escala de valores sociales bajo las que son concebidas.
Frente a los discursos de perversión, patologización y criminalización elaborados a finales del siglo XIX y principios del XX en torno a las prácticas sexuales alejadas de fines procreativos, el cambio de milenio ofrece un contradiscurso que fomenta la desestigmatización de las sexualidades periféricas. Mediante la contraposición de ambas épocas, este estudio da cuenta del movimiento producido en esta jerarquía tras todo un siglo y constata que, pese a lo andado, queda todavía un largo camino por recorrer en la desperiferialización y visibilización de los diferentes modos de entender y vivir la sexualidad.


Nuria Godón es profesora de Literatura y Cultura española en Florida Atlantic University. Ha publicado diversos estudios sobre la configuración discursiva del género y la sexualidad dentro del contexto literario, teatral y fílmico español de la época contemporánea.
Michael J. Horswell es profesor de Literatura y Culturas Hispánicas en Florida Atlantic University y autor de varios estudios centrados en representaciones literarias y cinematográficas del género y la sexualidad en el contexto de discursos coloniales, transatlánticos, y poscoloniales.

Miradas feministas: del postcolonialismo a la globalización

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Asunción Oliva Portolés

Colección Ciencia serie Género CC362
Págs.: 232; Formato: 13,3 x 19,3 cm
ISBN: 978-84-245-1338-2
1ª edición


¿Cuáles son los restos a los que el feminismo debe enfrentarse en estos tiempos difíciles? ¿Cómo influye la globalización en la vida de las mujeres? Este volumen, que recorre la evolución de la teoría feminista desde los años 70 del pasado siglo hasta hoy, aborda esta y otras cuestiones desde la perspectiva del feminismo filosófico como pensamiento crítico. La autora lleva a cabo un análisis de los presupuestos y argumentos de las diversas concepciones que han ido apareciendo en estos años a la vez que plantea un debate con ellas para intentar lograr una conceptualización ajustada a la época en que vivimos.
Y si, como dice Celia Amorós, conceptualizar es politizar, este trabajo se inscribe en la perspectiva del feminismo filosófico como tarea crítica que la acción reivindicativa del feminismo precisa. Con esta intención, Asunción Oliva se ocupa de cuestiones recientes como las luchas de las mujeres en las llamadas primaveras árabes o la dura situación de las refugiadas, expulsadas de sus países por las guerras que la misma globalización propicia.


ASUNCIÓN OLIVA PORTOLÉS es doctora en Filosofía y miembro del Consejo del Instituto de Investigaciones Feministas de la UCM. Ha publicado La pregunta por el sujeto en la teoría feminista: el debate filosófico actual (2009) y La recuperación de una voz marginada: Doria Shafik, feminista egipcia (2010). Además fue coeditora junto a Teresa López Pardina del libro Crítica feminista al psicoanálisis y la filosofía (2003).

Estudios de género: visiones transatlánticas

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Isabel Durán Giménez-Rico, Rebeca Gualberto Valverde, Noelia Hernando Real, Carmen Méndez García, Joanne Reff Van Aertselaer, Ana Laura Rodríguez Redondo (Comps.)

Colección Ciencia, serie Género CC359
Págs.: 368; Formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1343-6
1ª edición

En la última década hemos asistido al creciente protagonismo de los estudios transatlánticos, diálogos críticos sobre un variado número de disciplinas entre académicos de ambos lados del océano. Este volumen recoge la XI edición de las Jornadas Internacionales de Estudios de la Mujer que abordaron la existencia de cuestiones de género desde el carácter pluridisciplinar de los estudios transatlánticos, en la creencia de que el interés ético de la igualdad trasciende, también, fronteras y océanos.

Isabel Durán Giménez-Rico es catedrática de Filología inglesa de la Universidad Complutense. Es autora del libro Autobiografía: versiones femeninas en la literatura norteamericana del siglo XX. Entre sus publicaciones destacan la coedición de ocho volúmenes sobre estudios de las mujeres y el monográfico Espacios Generizados.
Rebeca Gualberto Valverde es profesora adjunta doctora del despartamento de Educación, comportamiento y procesos sociales de Universidad Europea de Madrid. Sus líneas de investigación actuales giran en torno al estudio de la reinterpretación de los mitos en la literatura y cultura de los países de habla inglesa.
Noelia Hernando Real es profesora contratada doctora del departamento de Filología inglesa de la UAM. Sus publicaciones recientes incluyen Voces contra la mediocridad, Self and Space in the Theater of Susan Glaspell, y la coedición de Performing Gender Violence. Plays by Contemporary American Women Dramatists.
Carmen Méndez García es profesora contratada doctora del departamento de Filología inglesa II de la UCM. Sus líneas de investigación y docencia actuales giran en torno a la literatura norteamericana del siglo XX y XXI, en particular la narrativa postmoderna, contracultura, literatura de minorías en EEUU, y psicología y psicoanálisis en literatura.
Joanne Neff Van Aertselaer es profesora titular, catedrática acreditada, del departamento de Filología inglesa II de la UCM. Su ámbito de investigación comprende el análisis crítico del discurso y la lingüística contrastiva. Ha participado en varios libros sobre le lenguaje y poder y ha sido investigadora principal de siete proyectos nacionales e internacionales.
Ana Laura Rodríguez Redondo es profesora titular del departamento de Filología inglesa I de la UCM. Sus líneas de investigación y docencia actuales se centran principalmente en la Lingüística cognitiva y la Psicolingüística aplicadas al terreno de la Lingüística histórica y diacrónica.

Brecha salarial e igualdad de género en las empresas turístico-hoteleras. Estado de la cuestión y oportunidades de futuro. Libro blanco EQUOTEL

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Cristina Figueroa Domecq.
Mónica Segovia Pérez (coords.)

Colección Ciencia, serie Género CC358
Págs.:208; Formato: 13,3 cm x 19,3 cm
ISBN: 978-84-245-1328-3
1ª edición.

El presente libro, desarrollado por profesores de la Universidad Rey Juan Carlos y profesionales de la Confederación Española de Hoteles y Alojamientos Turísticos (CEHAT), tiene como principal objetivo la identificación de la brecha salarial en el sector hotelero. El texto analiza además los factores que ocasionan y mantienen dicha brecha entre mujeres y hombres en puestos operativos, intermedios y directivos de este ámbito. Para ello, expone tanto la perspectiva del trabajador, como la de los empleadores, lo que aporta una visión global sobre una realidad de vital importancia dentro del sector turístico.
Cristina Figueroa Domecq es doctora en Economía por la Universidad Autónoma de Madrid y, actualmente, trabaja como profesora contratada doctora en la Universidad Rey Juan Carlos. Especialista en la investigación de género, lleva años trabajando y desarrollando el ámbito de innovación, tecnología y género en el área de gestión turística.
Mónica Segovia Pérez es doctora en Sociología por la Universidad Complutense de Madrid y, actualmente, es profesora contratada doctora en la Universidad Rey Juan Carlos. Su línea de investigación se ha centrado en género, especialmente en el sector turístico, donde ha trabajado las áreas de `techo de cristal´, brecha salarial o estilo de liderazgo.

La Querella de las Mujeres

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Ana Vargas Martínez

Colección Ciencia, Serie Género CC357
372 páginas; formato: 17 x 24 cm.
ISBN: 978-84-245-1305-4
1ª edición.

La Querella de las Mujeres es el nombre por el que se conoce al encendido debate que tuvo lugar en Europa a lo largo de varios siglos, en el que se cuestiona la dignidad de las mujeres y su capacidad intelectual y política. La Querella se manifestó públicamente en tertulias y generó un ingente número de escritos en torno al valor, la diferencia y las relaciones entre ambos sexos. En ella participaron, de diversas maneras, mujeres y hombres pertenecientes a los círculos más influyentes de la época, culturales y políticos. España tuvo una participación significativa en el debate y muestra de ello es la proyección europea que alcanzaron algunas de las obras españolas del momento. Aquí se indaga sobre la presencia y el desarrollo de la Querella en la península ibérica en el siglo XV, mediante el estudio pormenorizado de los tratados en defensa de las mujeres. Obras que surgen principalmente en ambientes cortesanos con la clara intención de responder, de oponerse, a los argumentos misóginos que circularon en el contexto de la polémica. Primer estudio de conjunto en nuestro país acerca de la Querella, entendida como un fenómeno histórico políticamente significativo y no como una cuestión puramente retórica sin transcendencia social, este libro analiza los temas de discusión y revela el decisivo papel que jugaron las mujeres hispánicas en el debate, así como la participación de las mujeres en la construcción de Europa.

Ana Vargas Martínez
es licenciada en Filosofía y Letras por la Universidad de las Islas Baleares, doctora en Historia por la Universidad Complutense de Madrid (UCM), Máster de Estudios sobre las Mujeres por la Universidad de Barcelona y profesora de Historia Medieval en la Universidad Carlos III de Madrid. Forma parte del consejo del Instituto de Investigaciones Feministas de la UCM, donde es profesora colaboradora e investigadora. Ha publicado numerosos artículos sobre la historia de las mujeres en la Edad Media y el Renacimiento, así como sobre la Querella de las Mujeres.

Verso y teatro: guía teórico-práctica para el actor

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Josefina García Aráez
Edición de Izaskun Azumendi, Consuelo García y Beatriz Suárez

Colección Arte, Serie Teoria Teatral CA210
(Manuales RESAD)
160 páginas; formato 17 x 24 cm
ISBN:978-84-245-1079-4;
1ª edición

Este volumen es la tercera edición del libro de Josefina García Aráez, Verso y teatro; un manual indispensable para profesionales del arte teatral que queran entender y dominar, con rigor, la técnica del buen decir del verso dramático. Útil también para aquellos que busquen perfeccionar el manejo del teto y la voz, pues el ejercicio del verso requiere una experiencia más completa que cualquier otro escrito. Ha sido actualizado y corregido por Izaskun Azurmendi, Consuelo García y Beatriz Suárez, tres profesoras del departamento de Voz y Lemguaje de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) que compartieorn con la autora su amistad y, también, su pasión por la docencia del verso dramático.

El libro contiene los ingredientes esenciales para entender los elementos que conforman la estructura de un texto en verso, principalmente el dramático, así como la naturaleza de los mismos. Los temas, tales como la voz, el lenguaje versificado, la duración, intensidad, timbre y medida de la versificación, regular, la métrica del teatro español, las principales estrofas y series, el lenguaje poético y un repaso histórico del teatro español en verso son expuestos de una manera sencilla y fácil de asimilar.
Tal y como especifica el título, este libro es una guía y no pretende convertirse en, o establecer, un método de interpretación del verso. Y en eso mismo estriba su valor: la ausencia de docuemntos objetivos (gráficos, audiovisuales) sobre cómo pudo haberse dicho o hecho el verso en otros tiempos (salvo escasísimas grabaciones de audio de principios del siglo XX), y el hecho indiscutible de que hasta el momento, los estudios sobre verso se han realizado principalmente desde la lingüistica y la filología, hacen aún más necesaria la reedición de esta obra que aúna el saber académico con reflexiones sobre la práctica. Además, a modo de ejemplo ilustrativo, a través de un en lace de acceso a Internet, el lector puede escuchar lecturas de textos en verso realizadas por actores y docentes de la RESAD específicamente para esta ocasión.

Josefina García Aráez
, doctora en Filología por la Universidad Complutense, fue profesora de Literatura clásica en la RESAD durante años. Estudiosa de su gran pasión, el verso dramático, fue solicitada por actores y directores para asesorar en la técnica de lso textos en veso en incontables ocasiones. Entre sus publicaciones figura Don Luis de Ulloa, Unamuno y la literatura, el libro de poemas El camino y la novela Los años dormidos.


Teatro relacional: una estética participativa

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Juan Pedro Enrile.

Colección Arte, serie Teoría teatral CA209
(Monografías RESAD)
224 páginas; formato 17x24 cm
ISBN; 978-84-245-1334-4;
1ª edición mayo 2016


El teatro relacional no ofrece un objeto completo para exhibirlo en uno de los grandes contenedores de la cultura disciplinaria. Construye el acontecimiento de encontrarse en el mundo. Supone un revisionismo del concepto teatral por cuanto rechaza el dispositivo escénico convencional y propone una dramaturgia alternativa, una teatralidad que se fundamenta en la creación de mecanismos relacionales en los que los espectadores participan del hecho teatral y, por  lo tanto, se formula un tipo de público distinto al hegemónico en la escena convencional. El espectador pasa de interpretar lo que ocurre en la obra a poder modificarla, pero no puede consultar para ello las instrucciones convencionales ni aplicar las reglas establecidas. El teatro relacional resulta provocador en tanto que sacude al espectador fuera de un marco conocido. Lo libera de las convenciones de la lógica lineal y lo obliga a repensarse como parte de un nuevo contexto escénico.
  Esta publicación proporciona al lector un estudio del teatro relacional con una fusión de contenidos que hasta ahora no existía en castellano. Junto al análisis histórico, social y político de su aparición y desarrollo, se incluyen imágenes y descripciones de distintas realizaciones escénicas además del texto inédito Pendiente de voto de Roger Bernat. En él, los espectadores, con un mando a distancia como única arma democrática, tratarán de hacerse con el control del hemiciclo en el que se ha convertido el teatro. De este modo, el público recupera para sí la palabra y el protagonismo del juego político.

Juan Pedro Enrile Arrate
es doctor en Estudios teatrales por la Universidad Complutense de Madrid (UCM), licenciado en Dirección de escena y Dramaturgia por la RESDA y diplomado en Dirección cinematográfica por el TAI. Ha sido profesor de Dirección escénica en la UCM, en la ESAD de Murcia en la Cuarta Pared. Actualmente es profesor titular de Dirección escénica en la RESAD. Especialista en teatro relacional y en kathakali. Entre sus espectáculos merecen destacarse: Jhon (India, 1995), ¿Cuándo? (Murcia, 2000), Flashmoon Proyect (Madrid, 2014) y Libres hasta el final (Madrid, 2016). Es autor de Arqueología y puesta en escena en la antigua Grecia (número 179 de esta misma colección) y Kathakali, una forma de teatro danza del sur de la India en ADE.

Janis Joplin (Enterrada viva) --una biografía

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Myra Friedman

Colección Espiral, serie Canciones 22

336 páginas; formato 15x22cm
ISBN: 978-84-245-1329-0
6ª ed. revisada, febrero 2016

“No puede ser aún, Myra. Quiero que diga la verdad, acerca de las drogas, acerca de todo. Quiero decir, realmente la verdad.”

Janis Joplin habló de este modo a su amiga y colaboradora, Myra Friedman, en un bar de Nueva York, mediado agosto de 1970, sobre la biografía que Janis esperaba que Myra escribiese algún día. Esa biografía es Enterrada viva.
  
Su muerte prematura, acaecida por una sobredosis de heroína a los 27 años, convirtió a Janis Joplin en una leyenda. Y en todas las leyendas aparecen irremediablemente falsedades. Enterrada viva escrita por esta periodista tan cercana a Janis refleja la dura verdad que la cantante conoció en su corta existencia y que quiso compartir con su público.
   Su vida es material ideal para una gran biografía: fue una mujer solitaria y extraordinariamente insegura, cuyo estilo de vida suicida —alcohol, drogas, deprimentes e indiscriminadas relaciones sexuales y una agotadora ambición— le proporcionó gran éxito, riqueza, felicidad momentánea y hasta la muerte. Esta es su historia descrita del modo más fiel posible. Y es también la historia de su tiempo, los locos, violentos, cargados de droga, años sesenta, a los que ella representó tan bien y de los que apenas vio el final.
   Enterrada viva emocionará e impresionará a aquellos que aman a Janis y a aquellos que nunca le hayan oído cantar una sola nota. Además, la versión bilingüe de sus canciones está disponible en Janis Joplin, canciones, el número 58 de esta misma colección.

Sobre la autora:
Myra Friedman nació en Nueva York en 1932 y allí mismo, al poco de ser contratada en la oficina del representante Albert Grossman, conocería a Janis en febrero de 1968. Fue su publicista hasta la muerte de la estrella en octubre de 1970. Durante esos tres intensos años, se convirtió en una verdadera amiga para Janis mientras la acompañaba en su camino a la cumbre.
   Quizá porque al redactarla todavía estaba en pleno duelo, su biografía de Janis Joplin está considerada como uno de los libros más conmovedores escritos sobre una figura del rock; mereció el premio ASCAP-Deems Taylor y fue nominada al Premio Nacional del Libro de Biografía en Estados Unidos. Myra Friedman siguió unida al recuerdo de Janis toda su vida y tanto Steve Banks (Janis Garden Party), como Ann Angel (Janis Joplin: Rise Up Singing), le agradecen públicamente la ayuda que les prestó en la elaboración de sus respectivos libros.
   Periodista, con escritos sobre música, arte y movimientos culturales y sociales contemporáneos, Myra Friedman además de trabajar en la industria discográfica, fue música con especiales conocimientos de jazz y música clásica. Murió de un cáncer 40 años y 12 días después de Janis en la misma ciudad que la vio nacer. Algunos amigos comunes comentan que les agrada imaginar su reencuentro…

La audición. Una guía pensada para el actor

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Joanna Merlin
Traducción de Jorge Quesada

Colección Arte, serie Teoría teatral 207

(Ensayos y Manuales RESAD)
176 páginas; formato: 17x24 cm
ISBN: 978-84-245-1310-8
1ª edición enero 2016

Ojalá hubiera tenido este libro hace veinte años. Probablemente me habría ayudado a conseguir algunos de los trabajos que no conseguí, y habría sido definitivamente una ayuda a la hora de lidiar con el hecho de no haberlos conseguido... También creo que es una gran lectura para aquellos veteranos como yo, que en ocasiones necesitamos una mirada fresca sobre la profesión elegida y alguna ayuda para “aguantar ahí”. Joanna Merlin tiene una perspectiva única, la de haber estado a ambos lados de la mesa en una profesión en ocasiones desalmada. Su corazón se hace patente en este libro. --Kevin Bacon

La audición enseña a actores (y no actores) a desdramatizar y despersonalizar tanto el triunfo como el fracaso en un proceso de selección, a ponerse en el lugar del otro y a ofrecer la mejor versión de sí mismos. Invita a los actores a que se comprometan con el trabajo serio, el estudio y su preparación como forma de ampliar su capacidad de comprender y afrontar con honestidad, no solo el proceso de audición, sino toda su carrera. La audición contribuye a la formación de estudiantes y docentes, directores, productores y demás profesionales del medio. Sus enseñanzas aumentarán, sin duda, el sano rigor competitivo que debieran sustentar el teatro, el cine y la televisión.
   Esta edición en español de La audición se ha completado con la contribución de prestigiosas y reconocidas figuras de la industria teatral y audiovisual españolas, las cuales aportan su visión y experiencia sobre el oficio del actor y la audición. Contamos con la opinión y el consejo de: Miguel Antelo, Pep Armengol, Nuria Benet, Pablo Berger, Sara Bilbatúa, Ernesto Caballero, Carla Calparsoro, Pedro Casablanc, Gabriel Chamé, Hernán Gené, José Luis Gómez, Andrea Isasi, Juan León, Eva Lesmes, Juan Mayorga, Rosario Ruiz Rogers, Luis San Narciso, Eduardo Vasco y, finalmente, Assumpta Serna, que cierra esta edición con una estimulante reflexión.

Joanna Merlin
ha trabajado como directora de casting para directores como Hal Prince, James Ivory o Bernardo Bertolucci. Ha sido galardonada como directora de casting y actriz de teatro, cine y televisión. Actualmente es profesora de Interpretación en la Universidad de Nueva York (NYU) y ha dado clases a nivel internacional, entre otros, en el Kreuzberg Theaterforum de Berlín, la Universidad de las Artes de Zúrich, y el Teatro de la Abadía de Madrid.
   Alumna directa de Michael Chéjov en la década de los cincuenta, emplea su técnica para preparar con claridad y precisión un estado de creatividad e inspiración artística que sirva al actor como herramienta práctica a la hora de enfrentarse a una audición.

Filosofía, crítica y (re)flexiones feministas

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Luisa Posada Kubissa

Colección Ciencia, serie Género 356
192 páginas; formato: 13,3 x 19,3 cm
ISBN: 978-84-245-1307-8
1ª edición noviembre 2015

En este volumen se conjugan las dos grandes pasiones de su autora: filosofía y feminismo. Filosofía, crítica y (re)flexiones feministas propone volver sobre una diversidad de cuestiones sociales y políticas que incumben al pensamiento y a la práctica feminista, (re)flexionar, pensar sobre lo ya pensado con rigor y entusiasmo.
   Con este propósito, el libro comienza con el análisis de algunos aspectos de tipo más filosófico que afectan en particular a la teoría feminista actual, para entrar después en aquellos problemas que, como la prostitución o la violencia de género, nos comprometen. La reflexión sobre la idea de igualdad entre los sexos, a partir del repaso a pensadoras claves del marxismo, viene a dotar finalmente a los diferentes capítulos, que pueden ser leídos independientemente o en conjunto, de la unidad de una perspectiva crítico-feminista.

Luisa Posada Kubissa es profesora titular de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid. Además de sus artículos, ha co-editado títulos como Feminismo y multiculturalismo (2007), o Pensar con Celia Amorós (2010) en esta misma editorial. Como autora ha publicado Sexo y esencia. De esencialismos encubiertos y esencialismos heredados (1998); Celia Amorós (2000); Razón y conocimiento en Kant (2008); y Sexo, vindicación y pensamiento. Estudios de teoría feminista (2012).

Disparates de Llorenç Villalonga

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Llorenç Villalonga
Julio Escalada (ed. y trad.)

Colección Espiral, serie Teatro 411

176 paginas; formato: 11,3 x 20,3
ISBN: 978-84-245-1308-5
1ª edición noviembre 2015

La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna. La Biblioteca Temática RESAD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas.
   Llorenç Villalonga (Palma de Mallorca, 1897-1980), que se declaraba amante de los gatos, los árboles, la catedral de Mallorca y los cielos cambiantes, que admiraba a Voltaire y a Marcel Proust, escribió unos textos dialogados que, en ocasiones, sirvieron para dar voz propia a los personajes de sus novelas. Los disparates (desbarats en catalán) van a distinguirse por un humor fuera de razón o regla, esto es, disparatado, consecuencia de imaginar una situación posible con un enfoque distorsionado. Este volumen recoge una pequeña selección de estas obras de indudable potencial teatral. Las escritas en los años 40 se caracterizan por cierto costumbrismo desenfadado; las creadas en los 50 y 60 se abren a una reflexión de mayor transcendencia que ha llevado a relacionarlos con el teatro del absurdo.

Julio Escalada es académico fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE) y premio SGAE de Teatro 2003. Titulado en Interpretación y en Dirección de Escena y Dramaturgia por la RESAD, ha trabajado como actor en teatro, cine y televisión, y realizado labores de producción y dirección. En la actualidad imparte clases en la RESAD, en el departamento de Escritura y Ciencias Teatrales.

Teatro. Piezas breves (2014-2015)

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Alumnos-RESAD

Colección Espiral, serie Teatro 410
328 páginas; formato: 11,3 x 20,3
ISBN: 978-84-245-1324-5
1ª edición septiembre 2015

Cuando me dispongo a escribir estas líneas, los ciudadanos griegos se enfrentan a un dilema político y a la toma de una decisión que afectará, sin duda, a su destino. Al mismo tiempo, el mar Mediterráneo, que fue cuna de la tragedia y de la comedia, y por tanto, de dos manifestaciones imprescindibles de humanidad, es testigo del espanto de los que huyen del horror de la guerra, y de la ciudad sitiada. Por eso, frente al extravío, necesitamos la escritura. Necesitamos la palabra dramática. Y por ello presentamos ante ustedes las tareas, esfuerzos, propósitos y realizaciones de los alumnos de Dramaturgia, que se han batido con el dolor, la risa y las palabras. Paz Buelta Serrano, Xus de la Cruz, Lola G. Otero, Sara García Pereda, Álvaro Jiménez Angulo, Johanna Lagarde, Paula Llorens, Luciano Muriel, Jana Pacheco y Silvana Pérez Meix, se han entregado durante meses a la palabra; buscando en el corazón de sus dudas y pasiones. Recordando que no hay comedia sin dolor ni tragedia sin esperanza. Sabiendo que no era fácil, pero contando, siempre, con la complicidad de sus compañeros, que tantas veces han sido los que encontraban el camino para salir del laberinto. --Itziar Pascual

Todas las perversiones posibles de la democracia están aquí / Petra

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Antonio César Morón

Colección Espiral, serie Teatro 409
Págs: 166 1ª edición septiembre 2015
Formato: 11,3 x 20,3
ISBN: 978-84-245-1323-8

Una trilogía en tono de thriller político y una pieza de teatro fantástico componen este nuevo volumen de Antonio César Morón, el tercero para Fundamentos, en el que el autor sella definitivamente su compromiso estético y social con el teatro y sus lectores.
    El mundo se ha vuelto gris y borroso, la ética, negociable: “la democracia es la puta del capitalismo, una zorra eficaz que amortigua la imagen de un cerdo.” Descendientes de los sainetes de Quevedo, las pinturas negras de Goya y el esperpento valleinclanesco, los personajes pasan arbitrariamente de víctimas a verdugos, de patrones a siervos, brincando de forma caprichosa entre la justicia y la corrupción. Cualquier parecido con la actualidad es todo menos coincidencia. Su actitud transmite al lector/espectador una pregunta inquietante: ¿estamos, como las figuras del callejón del gato, frente a una visión deformada de la realidad o se nos revela aquí la imagen fiel de una realidad desfigurada?

Antonio César Morón (Granada, 1978) es dramaturgo, teórico del teatro, y doctor en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Universidad de Granada, donde trabaja como profesor. Entre sus publicaciones cabe destacar Monólogos con maniquí (2012), Estado antimateria. Pentarquía de dramaturgia cuántica (2011), Retórica del sueño de poder. Comedias (2011), El metal y la carne. Tragedias (2010). En esta colección ha publicado Ahora los esclavos (2013) y Elipses. El espejo más frío (2014). Su aportación más relevante a la teoría teatral es La dramaturgia cuántica (Granada, 2009), en donde se exponen las bases teóricas de esta nueva técnica de escritura dramática ideada por él mismo.

La rueda de la infamia / Querida Edith / Viejos recuerdos de melancolía

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Antonio Martínez Ballesteros

Colección Espiral, serie Teatro 408
Págs: 192 1ª edición septiembre 2015
Formato: 11,3 x 20,3
ISBN: 978-84-245-1322-1

El presente volumen recoge tres piezas teatrales inéditas. Al contrario que en su última publicación, compuesta por dos textos irónicos e hilarantes, nuestro autor elige ahora moverse por los cauces del drama. Drama descarnado, cercano a la hipérbole relativa, en el primer caso; y al intimismo de los círculos pequeños, pero no por ello menores en intensidad y calado, en los otros dos.
   Así, La rueda de la infamia se revela como un grito de protesta contra la actual crisis económica y ética, provocada, mantenida y no resuelta por una política conservadora, de permanente favor al poderoso en perjuicio de los más humildes y la gente corriente.
   Querida Edith constituye un ejercicio de memoria que parte de un recuerdo real de Martínez Ballesteros pero que no es sino una muestra más de una tragedia universal. La trama discurre en la posguerra española y habla de rencor, de represalia y de una imposible reconciliación.
   Por último, Viejos recuerdos de melancolía presenta un drama intimista. El retrato psicológico de los personajes se inserta en la asfixiante realidad de una existencia de provincias a finales de los años 50.

Otras obras de Antonio Martínez Ballesteros publicadas en esta colección son: El despacho del Sr. Calleja / Salir en la foto (núm. 171); Vivir como perros / El marido breve (núm. 193); La hora del diablo / Situaciones (núm. 202); Romeo y Julieta se divorcian / Romancero secreto de un casto varón (núm. 211); Como un sueño de humo / Cuatro mujeres (núm. 223); Orestiada 39 / La utopía de Albana (núm. 242); El tranquilizante / Situaciones II (núm. 262); El sueño de Barataria / Los mendigos (núm. 278); Dña. Perfecta / Tres número impar (núm. 367) y La comedia de los contrastes / Fantasía con recortes (núm. 395).

Ni vigilar ni castigar y otros escritos. Apuntes y reflexiones de urgencia.

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Luis Martínez de Velasco

Colección Ciencia, serie Filosofía 355
176 páginas; formato: 13,3 x 19,3 cm
ISBN: 978-84-245-1317-7
1ª edición junio 2015

Los artículos que componen este libro tratan de una temática muy diversa (filosofía, economía, política, ética, literatura, etc.), pero en el plano del sub-texto se encuentran interconectados y adquieren todo su sentido remitiéndose unos a otros. La idea subyacente que los vincula refleja el hecho de que, una vez desarrollada la reflexión hasta sus últimas consecuencias, la filosofía y la ética terminan siendo indistinguibles, como afirmaba Fichte a propósito del pensamiento de Kant. De ahí que contemplar el mundo filosóficamente sea observarlo con ojos cargados de exigencia moral.

Luis Martínez de Velasco es profesor de Filosofía de Instituto (Getafe) e imparte cursos de doctorado en el departamento de Filosofía Moral y Política de la Facultad de Filosofía de la UNED. Otros libros suyos publicados en esta misma serie y colección son: La melancolía de la razón. Cinco estudios kantianos y un anexo piadoso (núm. 198), Finitud y moralidad (núm. 302), ¿Un nuevo asalto a la razón? (núm. 281) y La razón recuperada. Ensayos de filosofía moral y política (núm. 334); y en la serie Economía, Política y Sociología: La casa de cristal. Hacia una subversión normativa de la economía (en colaboración con Juan Manuel Martínez Hernández, núm. 181), La democracia amenazada. Democracia, capitalismo y desobediencia civil (núm. 202), Conocimiento, dominio y emancipación. La doble revolución de las ciencias sociales (núm. 264) y El espejismo de la economía. Análisis de una ciencia bajo sospecha (núm. 345).

Drama, literatura, filosofía. Itinerarios del realismo y el modernismo europeos

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Andrés Pérez-Simón

Colección Espiral Hispano-Americana 64
192  páginas; formato: 11,3 x 20, 3 cm
ISBN: 978-84-245-1314-6
1ª edición junio 2015

Este volumen propone una nueva conceptualización de la historia de la literatura española y europea mediante el análisis histórico-teórico de tres campos de fuerzas de especial relevancia a finales del siglo xix y en las primeras décadas del xx: la novela dialogada, el teatro filosófico y el drama exuberante. A diferencia de la periodización adoptada por los críticos internacionales en el campo de los Modernist Studies, que abogan por una definición amplia de la idea de “modernismo” para reclamar a Flaubert y Baudelaire como primeros epítomes literarios del movimiento, el presente estudio describe tres líneas evolutivas perfectamente visibles durante todo el siglo XIX.
   El capítulo central funciona como bisagra entre la vía minimalista representada por la novela dialogada y la vía centrífuga del drama exuberante. Las parejas de autores estudiados en profundidad en cada uno de los tres capítulos del libro, Galdós y Joyce; Unamuno y Shaw; Flaubert y de nuevo Joyce, exploran durante décadas los discursos literario, teatral y filosófico, un interés que cristaliza tanto en su obra literaria como en un amplio repertorio de reflexiones presentes en cartas, entrevistas y prólogos.

Andrés Pérez-Simón es profesor de Literatura Española y Crítica Literaria en la Universidad de Cincinnati, EE UU. Ha publicado artículos sobre teoría literaria, teatro, novela y cine, muchos de los cuales pueden consultarse a través de su página personal: www.andresperezsimon.com

José Estruch: el teatro como nexo identitario

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Vene Herrero

Colección Arte, serie Teoría Teatral 204
216  páginas; formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1313-9
1ª edición mayo 2015

Si hubiera que definir la existencia de José Estruch, podríamos hacerlo con una palabra: maestro. En cada una de las personas que lo conocieron dejó una hermosa huella. En la 15ª edición de los premios Max de Teatro, la actriz Blanca Portillo, alumna de Estruch en la RESAD, recibió el Premio a la Mejor Dirección Escénica en su debut como directora. Sus palabras de agradecimiento estuvieron destinadas a él, a quien ofreció el galardón.
   José Estruch no tuvo ningún vínculo profesional con la práctica escénica antes de 1936. Fueron las circunstancias que determinaron su exilio, así como los fortuitos cambios de país, las que influyeron de modo trascendental en el encuentro con la vocación que sería su ser en el mundo: el teatro. Completamente integrado en cada uno de los entornos extranjeros en los que vivió, adaptado a las realidades, su concepto de escena está, sin embargo, plenamente marcado por los preceptos renovadores desplegados en España antes de la guerra civil, especialmente en el aspecto ideológico. En este sentido, el teatro es un nexo identitario que materializa en él la oportunidad de llevar consigo el proyecto de transformación sociocultural republicano.

Vene Herrero es titulada por la RESAD (1989) y doctora en Historia y Teoría del Teatro por la UCM (2013). Ha dirigido distintos grupos teatrales en centros de Enseñanza Secundaria y es formadora teatral de profesionales del ámbito de la discapacidad intelectual. Ha sido actriz en varias películas y series de televisión. Es cofundadora de la compañía Ireki Teatro-Las Torpedolevel.

Este libro de Vene Herrero, por su aporte documental y claridad expositiva, viene a sumarse a la mejor bibliografía sobre el exilio teatral republicano de 1939. Vene Herrero estudia la trayectoria de Pepe Estruch con el rigor científico que le proporciona su conocimiento de la bibliografía fundamental sobre el tema y con una sólida documentación procedente de su trabajo de investigación en diversas hemerotecas y bibliotecas, así como en distintos archivos, entre ellos el del propio Estruch. --Manuel Aznar Soler, GEXEL-CEFID-Universitat Autònoma de Barcelona

Adela Escartín: mito y rito de una actriz. Vol. 2

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Juan Antonio Vizcaíno

Colección Arte, serie Teoría teatral 206
(Monografías Resad)
256 páginas; formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1316-0
ISBN Obra completa: 978-84-245-1318-4
1ª edición mayo 2015


Este libro es el resultado de un trabajo iniciado hace veinte años. A finales de 1994, Adela Escartín nos propuso escribir sus Memorias, con dos condiciones: que no se usara ningún tipo de grabadora durante las entrevistas y que el texto fuese publicado después de su muerte. Adela Escartín fue una gran mujer de teatro: eximia actriz, pionera entre las directoras de escena y una maestra irrepetible. Nacida en Santa María de Guía (Gran Canaria), tras acabar su formación en el Conservatorio de Arte Dramático de Madrid, en 1947, se marcha a Nueva York, donde estudia con Erwin Piscator, Stella Adler y Lee Strasberg. Luego pasa a Cuba y se convierte en una primera figura de la escena. Toda una generación del teatro cubano le debe a Escartín una visión y una técnica más profunda del hecho teatral. En 1970 regresa a España y participa del teatro español más renovador, a la par que trabaja para programas de televisión y cine y desarrolla una intensa actividad pedagógica en centros como la RESAD y la Sala Mirador.
   En este estudio hemos articulado su larga trayectoria vital (casi 97 años, de los que 40 estuvieron dedicados a la escena) en dos volúmenes, cada uno de ellos con dos partes. El primer libro arrancaba con “Los orígenes de una actriz”, que comprende desde su nacimiento en 1913 hasta su estancia de estudios en Nueva York, para seguir con “Cuba, patria artística de Adela Escartín”, dedicada a su estancia en Cuba antes de la revolución castrista. En este segundo volumen, su primera parte “Primera actriz de la Revolución” continúa su trayectoria como actriz, directora de escena y pedagoga en La Habana. Mientras que la segunda parte, titulada “La hija pródiga del teatro español”, abarca desde su retorno a España en 1970 hasta el largo tramo final de su vida, que concluyó en 2010, tras su fallecimiento.

Juan Antonio Vizcaíno es profesor de la RESAD y especialista en teatro oriental y teatro no verbal, sobre los que ha publicado numerosos artículos. Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Granada (1979) y en Arte Dramático por la RESAD (1986), en 1992, crea y dirige la Escuela Municipal de Teatro Fernando de Rojas de Toledo. En 1983, funda, dirige y diseña la revista Teatra, que en 1997 recibe la Medalla de Oro de la Bienal Internacional de Novi-Sad (Yugoslavia). Ha sido crítico teatral de La Razón (1998-2004), colaborador y redactor cultural del diario El País (1986-1998) y ha escrito para Diario 16, ABC y Primer Acto, entre otros medios. En 2009, comienza a publicar su propio blog –Huerta del Retiro– en la revista digital Fronterad.

Adela Escartín: mito y rito de una actriz. Vol. 1

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Juan Antonio Vizcaíno

Colección Arte, serie Teoría teatral 205
(Monografías Resad)
256 páginas; formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1315-3
ISBN Obra completa: 978-84-245-1318-4
1ª edición mayo 2015


Este libro es el resultado de un trabajo iniciado hace veinte años. A finales de 1994, Adela Escartín nos propuso escribir sus Memorias, con dos condiciones: que no se usara ningún tipo de grabadora durante las entrevistas y que el texto fuese publicado después de su muerte. Adela Escartín fue una gran mujer de teatro: eximia actriz, pionera entre las directoras de escena y una maestra irrepetible. Nacida en Santa María de Guía (Gran Canaria), tras acabar su formación en el Conservatorio de Arte Dramático de Madrid, en 1947, se marcha a Nueva York, donde estudia con Erwin Piscator, Stella Adler y Lee Strasberg. Luego pasa a Cuba y se convierte en una primera figura de la escena. Toda una generación del teatro cubano le debe a Escartín una visión y una técnica más profunda del hecho teatral. En 1970 regresa a España y participa del teatro español más renovador, a la par que trabaja para programas de televisión y cine y desarrolla una intensa actividad pedagógica en centros como la RESAD y la Sala Mirador.
   En este estudio hemos articulado su larga trayectoria vital (casi 97 años, de los que 40 estuvieron dedicados a la escena) en dos volúmenes, cada uno de ellos con dos partes. Este primer volumen arranca con “Los orígenes de una actriz”, que comprende desde su nacimiento en 1913 hasta su estancia de estudios en Nueva York, para seguir con “Cuba, patria artística de Adela Escartín”, dedicada a su estancia en Cuba antes de la revolución castrista. El segundo libro, en su primera parte “Primera actriz de la Revolución”, continúa su trayectoria como actriz, directora de escena y pedagoga en La Habana. Mientras que la segunda parte, titulada “La hija pródiga del teatro español”, abarca desde su retorno a España en 1970 hasta el largo tramo final de su vida, que concluyó en 2010, tras su fallecimiento.

Juan Antonio Vizcaíno es profesor de la RESAD y especialista en teatro oriental y teatro no verbal, sobre los que ha publicado numerosos artículos. Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Granada (1979) y en Arte Dramático por la RESAD (1986), en 1992, crea y dirige la Escuela Municipal de Teatro Fernando de Rojas de Toledo. En 1983, funda, dirige y diseña la revista Teatra, que en 1997 recibe la Medalla de Oro de la Bienal Internacional de Novi-Sad (Yugoslavia). Ha sido crítico teatral de La Razón (1998-2004), colaborador y redactor cultural del diario El País (1986-1998) y ha escrito para Diario 16, ABC y Primer Acto, entre otros medios. En 2009, comienza a publicar su propio blog –Huerta del Retiro– en la revista digital Fronterad.

La dominación simbólica en la globalización. Una Teoría Crítica sobre la Postmodernidad

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Blanca Muñoz

Colección Ciencia, serie Sociología 350

304 páginas; formato: 17,2 x 24,2 cm
ISBN: 978-84-245-1306-1
1ª edición mayo 2015

La Postmodernidad no es una mera concepción teórica sino una actitud psicológica y existencial. Esta “era del vacío”, como la catalogaba Lipovetsky, ha impregnado una serie de procesos creativos que han influido en la formación de una teoría y estética específica, estrechamente vinculadas con la perspectiva moral e ideológica derivada del “pensamiento débil”. Nace así una mentalidad global y una industria de la cultura de masas en la que el cine y la música han difundido y generalizado los valores de la razón cínica y sus criterios ideológicos.
   Para comprender los fundamentos que subyacen a la ideología dominante en la globalización contemporánea es fundamental analizar cómo se ha conformado este proyecto de alteración intelectual y de comportamientos sociales, así como la modificación estética y ética de lo que desde el siglo xviii se ha defendido como “la razón ilustrada”. Es tarea de este estudio, por tanto, tratar de hacer efectiva la afirmación de la Teoría Crítica según la cual la misión esencial del pensamiento es “la aclaración racional y crítica de la realidad”.

Blanca Muñoz es licenciada en Filosofía y en Ciencias Políticas y Sociología y doctora por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha recibido el premio extraordinario de Licenciatura, y el premio de Investigación Científica. Actualmente es profesora titular de Sociología de la cultura de masas y Teoría sociológica contemporánea en la Universidad Carlos III de Madrid. En esta misma editorial ha publicado Teoría de la pseudocultura. Estudios de sociología de la cultura y de la comunicación de masas (1995, en el núm. 207); Theodor W. Adorno: Teoría Crítica y cultura de masas (2000, en el núm. 242); Cultura y comunicación: introducción a las teorías contemporáneas (2005, en el núm. 291); y La sociedad disonante: estudios de cultura, ideología y Teoría Crítica (2010, en el núm. 315).

Mujeres en medio(s): Propuestas para analizar la comunicación masiva con perspectiva de género

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Asunción Bernárdez Rodal

Colección Ciencia, serie Género 354
288 páginas; formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1311-5
1ª edición mayo 2015

Este libro recoge una selección de las principales investigaciones sobre comunicación y género llevadas a cabo en nuestro país. Conscientes de que el pensamiento es algo más que acumulación y acceso a la información, es objetivo fundamental de este texto proporcionar las herramientas necesarias para llevar adelante análisis racionales y lógicos del material audiovisual que consumimos o producimos.
   Somos y pensamos a través de la impronta que ha dejado la educación en nosotros. Analizar cómo se construyen “lo femenino” y “lo masculino” como dos entidades opuestas, y cómo esa construcción formal tiene consecuencias en el sistema de dominación que de esa diferencia se deriva, no es solo la responsabilidad ética de la crítica feminista sino también un paso imprescindible para empezar a desmontar una realidad social injusta.

Asunción Bernárdez Rodal es licenciada en Filología hispánica, doctora en Periodismo y profesora titular de Semiótica de los Medios de Masas, Teoría de la Información y Comunicación y Género en la Universidad Complutense de Madrid (UCM). En la actualidad dirige el Instituto de Investigaciones Feministas de la UCM y coordina el programa de doctorado en Estudios Feministas y de Género. Entre sus publicaciones destacan Violencia de género en el cine español, Escritoras y periodistas en Madrid, Perdidas en el espacio y El humor y la risa.

Salomón no era sabio

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Celia Amorós Puente

Colección Ciencia, serie Género, 349
224 páginas; formato: 17,2 x 24,2
ISBN: 978-84-245-1282-8
1ª edición octubre 2014

Este volumen analiza la genealogía como constructo patriarcal y constata cómo, con el comienzo de la modernidad, surgen distintas corrientes filosóficas que ponen en cuestión la razón genealógica. El conjunto de pensamientos aquí resumidos deben ser leídos, por tanto, en clave de crítica de la razón salomónica, expresión del poder histórico de los varones. Una crítica en el sentido kantiano, que busca establecer los límites de esta sentencia canonizada y determinar sus condiciones de posibilidad, contraria a la dogmática patriarcal que la instituyó en paradigma de sabiduría.
   Y es en este análisis en el que deberíamos apoyarnos para buscar alternativas teóricas y prácticas a problemas del presente. Porque Salomón sí ha dejado su legado. Sus herederos pululan por las instituciones de la sociedad patriarcal instituyéndose en jueces en cuestiones de mujeres, de las que, como patriarcas, son también parte.

Celia Amorós Puente
(Valencia, 1944) es catedrática de filosofía. Premio Nacional de Ensayo 2006, ha centrado su trabajo tanto en la fundamentación e implicaciones filosóficas de la teoría feminista como en la historia del existencialismo. Es fundadora del Seminario Permanente Feminismo e Ilustración en la Universidad Complutense de Madrid, donde también fue directora del Instituto de Investigaciones Feministas. En 2011 recibió la medalla a la Promoción de los Valores de Igualdad por parte del Gobierno español. En 2012 fue acreedora del premio Mujeres Progresistas, en su categoría nacional, por su larga trayectoria profesional y su contribución al estudio del feminismo.

El cuerpo elocuente. La formación física del actor

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Anne Dennis

Colección Arte, serie Teoría Teatral 202
Ensayos y manuales RESAD
208 páginas; formato: 17,2 x 24,2
ISBN: 978-84-245-1299-6
1ª edición, octubre 2014

Las luces se encienden, el actor toma el espacio y el público lo percibe: la comunicaciónha comenzado...
   Este instructivo e inspirador libro muestra cómo pueden los actores utilizar su cuerpo para ser tan expresivos y elocuentes como lo son con las palabras.
   El cuerpo elocuente trata de volver a pensar y analizar las necesidades físicas del actor. Ofrece una serie graduada de ejercicios con el objetivo de satisfacer dichas necesidades y de crear un cuerpo totalmente elocuente como medio de expresión. Mediante el proceso de formación expuesto aquí, el actor conseguirá la habilidad, la imaginación y la confianza físicas necesarias para hacer de su cuerpo un medio expresivo.
   Además de dirigirse a actores, El cuerpo elocuente también ofrece a profesores, directores, directores de movimiento y coreógrafos un punto de partida para aplicar los conceptos y principios del libro a su propio trabajo.

Anne  Dennis ha sido durante muchos años jefa del Departamento de Movimiento del Rose Bruford College of Speech and Drama de Londres. Se formó como bailarina, actriz y mimo en los Estados Unidos antes de conseguir la beca Fulbright que le permitió estudiar en París con Étienne Decroux. A lo largo de los últimos cincuenta años ha desarrollado su labor en el ámbito del teatro físicamente expresivo por toda Europa y EEUU. Actualmente sigue dirigiendo y dando clases entre Barcelona y Londres, ciudad donde reside.

Texto en acción. 2ª Ed.

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Cicely Berry

Colección Arte, serie Teoría teatral 201
Ensayos y manuales RESAD
296 páginas; formato: 17,2 x 24,2 cm
ISBN: 978-84-245-1291-0
1ª edición, 2014

Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento.
   Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral.

Cicely Berry (n. 1926) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra.

Vicente Fuentes
es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International Center. Forma parte de la compañía Nao d'amores y parte de su actividad teatral está estrechamente asociada al Teatro de la Abadía. En 2013 crea el Centro de Investigación de la Voz, Palabra y el Verso: Fuentes de la Voz.

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