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Hemos revisado y modernizado los siguientes libros:

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Novedades

A continuación reseñamos las últimas novedades. También le invitamos a visitar el apartado “Reediciones”.

La causa de las mujeres en Gran Bretaña a través de sus textos

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de Lidia Taillefer (ed.)
Colección Ciencia, serie Género 370
278 páginas, formato 17x24
ISBN: 978-84-245-1389-4

Gran Bretaña lideró la lucha por la igualdad de las mujeres en Occidente. Este volumen, fruto de una intensa labor de investigación, recorre el movimiento sufragista británico de los siglos xix y xx a partir de sus textos: desde los escritos en pro de la mujer y el voto femenino de personalidades tan reconocidas como Emmeline Pankhurst o Virginia Woolf, a otras defensas sobre cuestiones
de género de autoras menos célebres.
Ensayos, escritos políticos, conferencias, memorias y diarios documentan la causa de las mujeres de forma más explícita o directa
que otros géneros. Esta recopilación descubre para el lector hispano el germen del feminismo moderno, semilla de posteriores
movimientos y teorías, e hilo conductor entre pasado, presente y futuro.
Los diecisiete autores que aquí se recogen (quince mujeres y dos hombres) destacaron en diversos campos del conocimiento
como la filosofía, la literatura, la medicina, la sociología, la educación o la política. Sus textos ofrecen una visión global de las
inquietudes feministas de la época, algunas tan vigentes como la polémica sobre la prostitución, presente en los escritos de Josephine
Butler.

Lidia Taillefer
es doctora en Filología Inglesa por la Universidad Complutense de Madrid, experta en Traducción por esta misma universidad y máster en Liberal Arts por la City University of New York. Profesora titular del departamento de Filología Inglesa de la Universidad de Málaga, su docencia y publicaciones versan sobre distintos ámbitos de la Lingüística Aplicada, y sobre Estudios de Género. Ha traducido importantes obras de las letras inglesas y coordinado varias ediciones de Estudios de Género.

Teatro Piezas Breves. Curso 2018/2019

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de Mirza Alejandra, Tino Antelo, Julio Béjar, Nieves Cisneros Pascual, María Díaz, Antonio Domínguez Delgado, Laura Esteban, Alejandro Pérez Portillo, Juan Sánchez Gómez, Amanda Solar y Mercedes Úbeda
Colección Espiral, serie Teatro 434
384 páginas, formato 11,3x20,3
ISBN: 978-84-245-1394-8

Este volumen antológico compendia la experiencia de un grupo de jóvenes dramaturgos que durante un curso académico han desafiado el miedo a la página en blanco para crear sus comedias y tragedias breves en un camino de palabras. Cada obra aquí disponible para la lectura es el resultado de un diálogo con el tiempo, con la técnica, con la emoción y con la recepción que el sistema teatral efectúa de un texto, vinculándolo a un repertorio preexistente. Es un diálogo exigente, en el que cada autor o autora corrige sus materiales en busca de la mejor versión del texto, la más adecuada para su experiencia pública. Y cada miembro de la clase escoge a un compañero que será su «lector implícito»: un lector anticipado en el tiempo, que conocerá antes y mejor las sucesivas versiones desarrolladas, capaz por tanto de efectuar un análisis más preciso y completo del texto, y de ofrecer a su colega una devolución crítica más amplia y enriquecedora para seguir trabajando. La obra se termina cuando su autor acepta que, de prolongarse el proceso de corrección, no emergería una mejor versión.
(Itziar Pascual)

Teatro. Promoción RESAD 2018

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Teatro. Promoción RESAD 2018, de Ismael Gil Candal, Eva Mir y Celia Morán
Colección Espiral, Serie Teatro 433
Formato: 11,3x20,3 cm; 202 páginas
ISBN: 978-84-245-1393-1

En este libro, que recoge los textos escritos por tres de nuestros recientes egresados en el último curso de sus estudios teatrales, lanzamos al mundo unas palabras que representan la culminación de un delicado proceso de aprendizaje práctico, basado en la observación e interacción personalizadas, que solo puede ofrecer una institución como la RESAD.
Con Aturuxo conoceremos el talante de bromista melancólico que se gasta Ismael Gil Candal; su juguetona libertad a la hora de mezclar texturas, tonos, acentos y calidades; su mundo particular, coloquial en el diálogo pero cercano al realismo mágico en el transcurso de los acontecimientos; su humor, siempre compasivo.
En El silencio de los relojes, la constancia y el tesón de Eva Mir; su mirada particular sobre la acción: concreta, ponderada y reflexiva; su aspiración a la excelencia que traspasa las palabras nos invitarán a transitar por escenarios de alta calidad emocional, sin concesiones o frivolidades.
Para Tatuaje. La quinta sinfonía callejera de la generación del piojo verde Celia Morán se yergue en gladiadora del teatro capaz de mostrarnos una fiera belleza que parece agazapada tras las expresiones del habla común; con un oído dotado para el ritmo y para la jerga castiza, a un tiempo acendrada y originalísima; y unos personajes que cantan aunque hablen, y ríen aunque giman.
(Yolanda Pallín)

La valenciana Eva Mir Piqueras ha sido galardonada con el Premio de Teatro para Autores Noveles Calderón de la Barca 2019 que convoca el Ministerio de Cultura y Deporte a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). Además de la obra aquí incluida, El silencio de los relojes, también publicamos su pieza breve Incienso (2017, número 423).

El actor en el espacio. La escenografía como generadora de la acción escénica

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de José Luis Raymond
Colección Arte, serie Teoría Teatral 225
262 páginas, formato 21x26
ISBN: 978-84-245-1391-7

Este libro va dirigido a todas las personas que desean participar de las acciones creativas que se producen en el espacio escénico a través de los elementos escenográficos que lo componen: cuerpo, iluminación, indumentaria, espacio sonoro, movimiento, acción… Las múltiples combinaciones de estos elementos conforman las bases arquitectónicas del juego escénico, con las que se elaborará la plasticidad, la espontaneidad y la imaginación del hecho teatral.
El cuerpo, el espacio y la imagen serán otras herramientas con las que el actor tendrá que gestionar la elaboración de sus discursos escénicos, promoviendo las dramaturgias visuales que hayan surgido del encuentro de la acción directa, el azar y el desconcierto.
Un ángulo, una altura, una línea, un cuerpo, una palabra o una imagen…, conceptos todos que los actores utilizan para marcar y delimitar espacios de acción y formación de otros nuevos, son útiles para organizar las bases de la composición plástica en la escena y también servirán para crear personales escrituras de acción.
No solamente se habla en estas páginas del espacio escénico, sino también de las artes plásticas que lo sostienen, de sus funciones y de sus gestos creativos, que son utilizados para descubrir otros espacios donde los actores inventen estrategias formales y conceptuales que les sirvan para trabajar el trasvase del plano bidimensional al tridimensional.
El espacio es también el concepto con el que el artista desea plasmar su pensamiento de acción, siendo la construcción visual de sus percepciones la que ponga en pie su mundo imaginado.
Espacio creativo y espacio pedagógico se colocan frente a frente para indicar la necesaria colaboración entre ambos, para concebir pedagogías del arte y arte en la pedagogía. Ambas palabras se deben experimentar in situ para hablar de la plástica escénica en El cuerpo en el espacio y poner la experiencia en disposición de tomar decisiones que ayuden a entender la práctica artística.

José Luis Raymond inicia su formación creativa y pedagógica en la Escuela de Profesorado de EGB y en la Facultad de Bellas Artes del País Vasco (UPV/EHU), donde se doctora con la tesis El cuerpo como generador de nuevos espacios escénicos. También ha realizado el Máster de Investigación en Arte y Creación de la Facultad de Bellas Artes de la UCM.
Cursa estudios de posgrado de escenografía en la Akademia Sztuk Piekni (Warszawie). Desde 1990 hasta la actualidad es profesor en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), donde imparte las asignaturas de Espacio Escénico, Escenografía y El actor en el espacio, siendo esta última materia la que le ha llevado a la investigación y publicación de este libro. José Luis Raymond ha impartido estos procesos plásticos-escénicos en másteres y grados de universidades españolas e internacionales como la Universidad Michel de Montaigne (Burdeos), la Academia de las Artes de Shanghái, Middlesex University (Inglaterra), etc.
Compagina la pedagogía creativa con la actividad artística, en la que realiza exposiciones de pintura, instalación y fotografía, así como el diseño escenográfico, la dirección de escena y las acciones directas.
En el año 2015 desarrolla el comisariado nacional para la Cuatrienal de Escenografía en Praga. Es miembro fundador de la Asociación de Artistas Plásticos de España (AAPEE).

Teatro físico: la revolución de las formas

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de Alfonso Rivera
Colección Arte, serie Teoría teatral 224
192 páginas; formato 15 X 21 cm
ISBN: 978-84-245-1388-7

¿Qué es el teatro físico? ¿Cuándo y por qué surge este término? ¿A qué tipo de prácticas escénicas alude? ¿Cuáles son sus rasgos más relevantes?
Alfonso Rivera realiza un análisis pormenorizado de las principales tendencias y compañías teatrales que emplean el cuerpo como núcleo de la creación escénica, al tiempo que reflexiona sobre las aportaciones técnicas y metodológicas de sus referentes más destacados. Un apasionante recorrido por las formas que revolucionaron la danza-teatro, el mimo moderno, las máscaras expresivas, el nuevo circo y las vanguardias ritualistas.
Un manual claro e imprescindible para comprender la evolución de las corrientes pedagógicas y artísticas más innovadoras de la actualidad.

Alfonso Rivera es pedagogo del teatro del gesto. Licenciado en Interpretación por la RESAD; doctor con mención europea por la Universidad de Santiago de Compostela; máster en Dirección y Pedagogía del Movimiento en la Central School of Speech and
Drama de Londres; especializado en la técnica de Étienne Decroux y en la pedagogía de Jacques Lecoq. Ha impartido cursos de teatro físico en universidades como Exeter University (Reino Unido), Rose Bruford College (Londres), JAMU (República Checa), Anadolu University (Turquía) y Kunstuniversität Graz (Austria). Es autor del libro El camino del actor a través del entrenamiento psicofísico (2017).

Dependencias. No se lo digas a nadie

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de Victoria Enguídanos
Colección Espiral, serie Teatro 432

136 páginas; formato 11,3 X 20,3 cm
ISBN: 978-84-245-1390-0

Las obras que aquí presentamos hablan del origen y las consecuencias del dolor y el autodesprecio, pero también de la esperanza y de la posibilidad de liberarnos de las cadenas y avanzar.
   Dependencias relata la relación tóxica de tres mujeres con las drogas, la comida, el maltrato amoroso y el trabajo. Enganchadas las unas a las otras, y a la imagen que de ellas mismas se han creado, buscan en los problemas ajenos un refugio a su propia falta de autoestima, incapaces de enfrentarse al enemigo más inevitable, el que habita en nuestro interior.
   No se lo digas a nadie aborda las secuelas que dejan en la vida adulta los abusos sexuales sufridos en la infancia, y explora la complicidad del silencio que nace del miedo y la culpa. Su original montaje presenta a un solo personaje sobre el escenario, que es a un tiempo víctima y sanadora, sustentada por un espacio sonoro en el que intervienen cuatro actores más.

Victoria Enguídanos
es autora, directora e intérprete. Licenciada en arte dramático por l’ Escola Superior d’Art Dramàtic i Dansa de València, tiene amplia experiencia en cine, televisión y teatro.

Arte, memoria y trauma: Aletheia, dar forma al dolor

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de Marián Lopez Fdz. Cao (ed.)
Colección Ciencia, serie Psicología 367
254 páginas; formato 21 X 26 cm
ISBN: 978-84-245-1372-6

El trauma, esa aguja punzante, esa piedra ácida y pesada que nos devora y atraganta, tiene la capacidad de esconderse en nuestro cuerpo, en nuestra mente, haciéndonos olvidar aparentemente su recuerdo para poder seguir viviendo. Como si hubiésemos atravesado el río Lete, entre el sueño, la discordia y la muerte, nuestro ser necesita del olvido para soportar la existencia. Escondido en zonas inconscientes donde habita lo innombrable, el trauma conduce nuestra vida sin saberlo, haciendo de ella un lugar de sufrimiento.
Este libro, el primer volumen de dos, fruto de un vasto proyecto de investigación, nace con el objetivo de desvelar lo oculto, por ello toma el nombre de Aletheia. Quiere abrir, con delicadeza y ternura, la cicatriz que cerró en falso un dolor que vive intenso en nosotros, a veces, desde nuestra primera infancia. La creación, como acompañante más allá del lenguaje discursivo, pone imágenes, metáfora, sonido a una herida impronunciable.
Desde hace más de sesenta años, los procesos creadores aplicados en terapia (a través de las artes visuales, la danza, el teatro y la música), al trabajar alternativamente con los dos hemisferios cerebrales –al fluctuar entre la expresión simbólica y la interiorización de los resultados a través del lenguaje y la escritura–, permiten el trabajo de la reconstrucción narrativa, corporal y emocional del trauma y ofrecen la capacidad de dar sentido al dolor. Por ello se han revelado como instrumentos eficaces para la mejora de personas y colectivos que necesitan de vías más allá del discurso analítico, para expresar, por decirlo de algún modo, lo inexpresable.
En las últimas décadas, la neurociencia ha confirmado lo que los artistas venían mostrando desde hace siglos: que no todo discurso es analítico y ordenado; que la memoria no es siempre organizada, ni el tiempo lineal y medible; que no todo el espacio puede ser mesurable, ni nuestras acciones coherentes. Que hay un tiempo de incubación donde el cuerpo –ninguneado durante siglos de mentalidad cartesiana y religiosa− es también cerebro empático y convierte en huella física nuestras alegrías y dolores, allá donde la razón no llega. Los procesos creadores insertados en procesos terapéuticos están permitiendo no solo la expresión y exteriorización del
trauma, sino su elaboración en la narración vital, que permite la integración y trasformación de experiencias.
Marián López Fdz. Cao es profesora de la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado estancias de investigación en Alemania, Reino Unido y EE UU. Desde 2017 es vicepresidenta del European Consortium of Art Therapy Education. Ha sido directora del Instituto de Investigaciones Feministas (2007-2011) y presidenta de la Asociación Mujeres en las Artes Visuales (2012-2017). El grupo de investigación que dirige, EARTDI (www.ucm.es/eartdi) ha llevado a cabo proyectos de investigación europeos y estatales sobre arte, igualdad y justicia social.
Ha sido invitada por universidades y centros culturales de Brasil, Argentina, México, Colombia, Chile, Grecia, Hungría, Reino Unido, Estonia, Eslovenia, entre otros. Es Premio Rosa Regàs 2010 por la colección educativa Posibilidades de ser a través del arte, de la editorial Eneida; Premio de la VIII Jornada de Humanización de Hospitales para niños y Primer Premio de Transferencia en Tecnología y Conocimiento en Ciencias Sociales y Humanidades 2017. Ha publicado numerosos artículos y libros sobre arte, procesos creadores, igualdad y bienestar psicosocial. Entre sus últimas obras, en esta misma editorial, Para qué el arte. Reflexiones en torno al arte y la educación en tiempos de crisis (2015).

Asombros y encantos. La escenificación de la comedia de magia del siglo XVIII

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de Ana Contreras Elvira
Colección Arte, Serie Teoría Teatral 220
288 páginas; formato 17 X 24
ISBN: 978-84-245-1378-8

Este libro ofrece una teoría estética y una reconstrucción de la puesta en escena de la comedia de magia del siglo XVIII, el género escénico más importante en la España de esa centuria. La investigación parte de dos preguntas: ¿por qué tuvo tanto éxito la comedia de magia? y ¿por qué molestaban tanto las comedias de magia? La respuesta a ambas es prácticamente la misma, y tiene que ver con motivos ideológicos y espectaculares. Para entender lo que la comedia de magia significaba para sus espectadores es necesario, por lo tanto, comprender sus imaginarios -las representaciones mentales que contribuyen a la construcción de nuestra comprensión de la realidad-, y también las condiciones concretas de la representación.

Tanto escénica como estética e ideológicamente podemos entender la comedia de magia del XVIII como el producto culminante de una forma de entender el mundo que recoge la tradición medieval del carnaval, la de la magia renacentista y la de la emblemática de la fiesta barroca, pero en la que también se funden ideas propiamente dieciochescas e incluso ilustradas, como la educación, la justicia, la libertad y la igualdad de género y clase, que en el caso de nuestro país incidieron en el estallido de nuestra particular revolución: el Motín contra Esquilache. Por eso, frente a cierta crítica que lo tildaba de simple, disparatado e, incluso, aberración de la fantasía o monstruo de la imaginación, podemos decir que es un género sincrético y contradictorio propio de esta época liminal y compleja. La configuración concreta del coliseo, espacio teatral genuinamente hispánico donde eclosiona el género, sus posibilidades escenotécnicas y relacionales, así como las técnicas interpretativas y prácticas corporales, contribuyen a la creación de un espectáculo fabuloso, de grandes ilusiones e imágenes virtuales donde, entre risas y magia, burlas y veras, se convocan seductores demonios, magos y magas capaces de los mayores prodigios. En escena aparecen estatuas animadas, magas a lomos de dragones, muertos vivientes, ejércitos capitaneados por mujeres, cambia rostros, duendes, apariciones, desapariciones y transformaciones varias. En definitiva, un espectáculo multidisciplinar, no muy lejano de nuestra sensibilidad contemporánea.

Ana Contreras Elvira
es profesora titular de Dirección Escénica en la RESAD, Doctora en Filología Hispánica (UCM), Licenciada en Dirección de Escena, Dramaturgia (RESAD) y Derecho (UBU). Ha dirigido más de una treintena de espectáculos. Sus líneas de investigación se centran en las últimas tendencias del teatro contemporáneo, la pedagogía artística, el teatro del siglo XVIII, el teatro conventual y, sobre todo, la relación entre lo teatral, lo ético y lo político. Ha impartido conferencias en universidades nacionales e internacionales y publicado numerosos trabajos. Es miembro de varios colectivos y asociaciones teatrales y educativas, entre otras ADE, AIH, ISECS, ITEM, SEESXVIII. Forma parte de la Junta Directiva de la Asociación Internacional de Teatro del Siglo XXI y del Consejo de Redacción de la revista Acotaciones. Es organizadora de las Jornadas de Teatro y Feminismos de la RESAD y fundadora del Grupo de Investigación de Feminismos y Estudios de Género (RESAD). Forma parte del proyecto “GENEALOGIES. Women’s Contribution to the Construction of Present-Day”, y del Proyecto I+D La conformación de la autoridad espiritual femenina en Castilla, dirigido por la dra. Rebeca Sanmartín Bastida, donde realiza una investigación performativa sobre Sor Juana de la Cruz.

Soft power: heroínas y muñecas en la cultura mediática

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de Asunción Bernárdez Rodal

Coleción Ciencia, serie Género 365
200 páginas; formato 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1367-2

La enorme influencia social que ostentan los medios de cultura de masas, esos poderes blandos (soft power) que suelen reflejar los intereses de las instituciones dominantes, radica en que conforman nuestra existencia y las creencias que consideramos íntimas de un modo insidioso. Acudimos al cine, vemos una serie, leemos relatos de ficción como una forma de evasión y divertimento, abandonándonos al placer que nos producen e inconscientes de su enorme poder adoctrinador. Por eso desde una perspectiva feminista crítica resulta imprescindible analizar las nuevas formas de representación de la mujer que nos proponen.
Este volumen nos proporciona los instrumentos para detectar y deconstruir los dispositivos sexistas tras las figuras femeninas de la cultura pop: desde las guerreras hipersexualizadas de finales del siglo XX, a las heroínas inteligentes pero problemáticas de la última década; de las sempiternas muñecas maternales, a la ineludible Barbie. Se dibuja así el correlato emblemático del proceso de integración de las mujeres al mundo del trabajo asalariado: a la libertad que ello les concede se contraponen las exigencias de no descuidar su belleza ni faltar a sus otras “obligaciones femeninas”. De este modo, las producciones mainstream han convertido a las princesas de antaño en las súper mujeres de ahora, nuevas representaciones de un mismo poder simbólico, hábilmente camuflado como realidad natural e ineludible.

Asunción Bernárdez Rodal es profesora titular en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Sus principales líneas de investigación son los Estudios Feministas, de Género y Visuales y la Semiótica de los medios de masas sobre los que ha publicado más de cincuenta artículos académicos y varios libros, entre ellos Mujeres en medio(s). Propuestas para analizar la comunicación masiva con perspectiva de género (núm. 354 de esta misma colección). En la actualidad es directora del Instituto de Investigaciones Feministas de la UCM.

Akira Kurosawa: Autobiografía (o algo parecido)

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5ª ed. revisada, de Akira Kurosawa

Colección Arte, serie Cine 107
224 páginas; formato: 15x22 cm
ISBN: 978-84-245-1364-1

Considerado el emperador del cine japonés o el Shakespeare del cine contemporáneo, como lo calificó Steven Spielberg al conocer su fallecimiento, Akira Kurosawa es hasta la fecha el más célebre director de cine de su país y uno de los más grandes e influyentes de la cinematografía mundial. Autor y director de obras tan conocidas como Los siete samuráis (en la que se basó el famoso western Los siete magníficos), en 1990 la academia de Hollywood reconoció su trayectoria con un Óscar honorífico. Anteriormente ya lo había premiado por Rashomon y Dersu Uzala, galardones que se unieron a muchos otros como el León de Oro en el Festival de cine de Venecia o el Oso de Plata en Berlín.
     Leer la Autobiografía de Kurosawa es asistir a una lección magistral de narrativa fílmica, conocer sus orígenes, sus maestros, las fuentes de las que bebió… pero es además revisitar con él su infancia y juventud en el Japón Imperial de los años veinte, su primer contacto con la muerte, la guerra y la derrota, la amistad y el despertar de su vocación artística.
Recuerdos, sueños y nostalgias que inspiraron también el maravilloso mundo onírico de uno de sus últimos films Los sueños de Kurosawa, ocho relatos dramático-fantásticos, ocho sueños reales del propio director que se nos descubre en este libro como un soñador perfeccionista, un niño acobardado que quiso ser pintor y acabó convertido en un gigante del cine mundial.

Akira Kurosawa fue el director de cine japonés más famoso de todos los tiempos. Nacido en Tokio en 1910, en 1943 realizó su primer film, Sugata Sanshiro (La leyenda del gran judo). Dirigió una treintena de películas, y escribió el guión de casi otras tantas. Una de las características más notables de su cine es su carácter universal, fruto de una vasta cultura artística e intelectual, lo que sin duda contribuyó a la difusión de su obra, pero le valió también la crítica de “director occidentalizado”. Murió de un derrame cerebral en 1998 en su casa de Tokio.

Audie Bock (Berkeley, 1946) vivió en Tokio durante los años 1968-73 donde trabajó como profesora de inglés y editora de libros de viaje. Posteriormente se doctoró en estudios asiáticos por la Universidad de Harvard. Para su tesis sobre directores de cine asiáticos volvió a Japón, a fin de entrevistarse con algunos de ellos. A raíz de estos encuentros surgió una amistad entre ella y el director Akira Kurosawa para quien trabajó como ayudante de producción en Kagemusha, la sombra de un guerrero.
Bock publicó su tesis en el libro Japanese film directors (1978). También es autora del primer estudio en inglés sobre el realizador japonés Mikio Naruse, Naruse: A Master of the Japanese Cinema (1985).

Responsabilidad ética y economía global

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Estudio sobre los denominados Objetivos de Desarrollo Sostenible como límites económicos, éticos y ecológicos de las empresas del futuro
de Luis Martínez de Velasco

Colección Ciencia, serie Economía 364

168 páginas; formato: 13,3 x 19,3 cm
ISBN: 978-84-245-1357-3
1ª edición

Que las empresas capitalistas del futuro tienen que respetar –si es que quieren sobrevivir– unos límites mínimos (éticos, ecológicos) y máximos (económicos) es un síntoma, una especie de cartel indicador: hay que atenerse a ciertas restricciones y hay que hacerlo siguiendo una determinada dirección. Los denominados Objetivos de Desarrollo Sostenible vienen a dibujar, con su presencia, el horizonte de una economía racional. Representan una victoria póstuma de Keynes y, de forma más lejana y profunda, de la economía política clásica, que desemboca y alcanza su culmen con Marx. La actividad económica debe responder de forma ineludible a una planificación, y debe hacerlo siguiendo estrictos criterios de equidad y de sostenibilidad.

Luis Martínez de Velasco es profesor de Filosofía de Enseñanza Secundaria en el Instituto Menéndez Pelayo de Getafe (Madrid) y ha impartido cursos de doctorado en la UNED desde 1992 a 2012. Algunos de sus escritos han sido recomendados en libros, manuales y artículos especializados tanto españoles como extranjeros. Tras La casa de cristal. Hacia una subversión normativa de la economía (escrito en 1993 en colaboración con Juan Manuel Martínez Hernández) y El espejismo de la economía. Análisis de una ciencia bajo sospecha (2014; ambos en esta misma editorial), aparece ahora este libro concebido por su autor como un proyecto a corto plazo de investigación empírica. Del epílogo se ha encargado su viejo amigo y colaborador, el filósofo Juan Manuel Martínez Hernández.

Janis Joplin (Enterrada viva) --una biografía

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de Myra Friedman

Colección Espiral, serie Canciones 22

336 páginas; formato 15x22cm
ISBN: 978-84-245-1329-0
6ª ed. revisada, febrero 2016

“No puede ser aún, Myra. Quiero que diga la verdad, acerca de las drogas, acerca de todo. Quiero decir, realmente la verdad.”

Janis Joplin habló de este modo a su amiga y colaboradora, Myra Friedman, en un bar de Nueva York, mediado agosto de 1970, sobre la biografía que Janis esperaba que Myra escribiese algún día. Esa biografía es Enterrada viva.
  
Su muerte prematura, acaecida por una sobredosis de heroína a los 27 años, convirtió a Janis Joplin en una leyenda. Y en todas las leyendas aparecen irremediablemente falsedades. Enterrada viva escrita por esta periodista tan cercana a Janis refleja la dura verdad que la cantante conoció en su corta existencia y que quiso compartir con su público.
   Su vida es material ideal para una gran biografía: fue una mujer solitaria y extraordinariamente insegura, cuyo estilo de vida suicida —alcohol, drogas, deprimentes e indiscriminadas relaciones sexuales y una agotadora ambición— le proporcionó gran éxito, riqueza, felicidad momentánea y hasta la muerte. Esta es su historia descrita del modo más fiel posible. Y es también la historia de su tiempo, los locos, violentos, cargados de droga, años sesenta, a los que ella representó tan bien y de los que apenas vio el final.
   Enterrada viva emocionará e impresionará a aquellos que aman a Janis y a aquellos que nunca le hayan oído cantar una sola nota. Además, la versión bilingüe de sus canciones está disponible en Janis Joplin, canciones, el número 58 de esta misma colección.

Sobre la autora:
Myra Friedman nació en Nueva York en 1932 y allí mismo, al poco de ser contratada en la oficina del representante Albert Grossman, conocería a Janis en febrero de 1968. Fue su publicista hasta la muerte de la estrella en octubre de 1970. Durante esos tres intensos años, se convirtió en una verdadera amiga para Janis mientras la acompañaba en su camino a la cumbre.
   Quizá porque al redactarla todavía estaba en pleno duelo, su biografía de Janis Joplin está considerada como uno de los libros más conmovedores escritos sobre una figura del rock; mereció el premio ASCAP-Deems Taylor y fue nominada al Premio Nacional del Libro de Biografía en Estados Unidos. Myra Friedman siguió unida al recuerdo de Janis toda su vida y tanto Steve Banks (Janis Garden Party), como Ann Angel (Janis Joplin: Rise Up Singing), le agradecen públicamente la ayuda que les prestó en la elaboración de sus respectivos libros.
   Periodista, con escritos sobre música, arte y movimientos culturales y sociales contemporáneos, Myra Friedman además de trabajar en la industria discográfica, fue música con especiales conocimientos de jazz y música clásica. Murió de un cáncer 40 años y 12 días después de Janis en la misma ciudad que la vio nacer. Algunos amigos comunes comentan que les agrada imaginar su reencuentro…

Drama, literatura, filosofía. Itinerarios del realismo y el modernismo europeos

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de Andrés Pérez-Simón

Colección Espiral Hispano-Americana 64
192  páginas; formato: 11,3 x 20, 3 cm
ISBN: 978-84-245-1314-6
1ª edición junio 2015

Este volumen propone una nueva conceptualización de la historia de la literatura española y europea mediante el análisis histórico-teórico de tres campos de fuerzas de especial relevancia a finales del siglo xix y en las primeras décadas del xx: la novela dialogada, el teatro filosófico y el drama exuberante. A diferencia de la periodización adoptada por los críticos internacionales en el campo de los Modernist Studies, que abogan por una definición amplia de la idea de “modernismo” para reclamar a Flaubert y Baudelaire como primeros epítomes literarios del movimiento, el presente estudio describe tres líneas evolutivas perfectamente visibles durante todo el siglo XIX.
   El capítulo central funciona como bisagra entre la vía minimalista representada por la novela dialogada y la vía centrífuga del drama exuberante. Las parejas de autores estudiados en profundidad en cada uno de los tres capítulos del libro, Galdós y Joyce; Unamuno y Shaw; Flaubert y de nuevo Joyce, exploran durante décadas los discursos literario, teatral y filosófico, un interés que cristaliza tanto en su obra literaria como en un amplio repertorio de reflexiones presentes en cartas, entrevistas y prólogos.

Andrés Pérez-Simón es profesor de Literatura Española y Crítica Literaria en la Universidad de Cincinnati, EE UU. Ha publicado artículos sobre teoría literaria, teatro, novela y cine, muchos de los cuales pueden consultarse a través de su página personal: www.andresperezsimon.com

La dominación simbólica en la globalización. Una Teoría Crítica sobre la Postmodernidad

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de Blanca Muñoz

Colección Ciencia, serie Sociología 350

304 páginas; formato: 17,2 x 24,2 cm
ISBN: 978-84-245-1306-1
1ª edición mayo 2015

La Postmodernidad no es una mera concepción teórica sino una actitud psicológica y existencial. Esta “era del vacío”, como la catalogaba Lipovetsky, ha impregnado una serie de procesos creativos que han influido en la formación de una teoría y estética específica, estrechamente vinculadas con la perspectiva moral e ideológica derivada del “pensamiento débil”. Nace así una mentalidad global y una industria de la cultura de masas en la que el cine y la música han difundido y generalizado los valores de la razón cínica y sus criterios ideológicos.
   Para comprender los fundamentos que subyacen a la ideología dominante en la globalización contemporánea es fundamental analizar cómo se ha conformado este proyecto de alteración intelectual y de comportamientos sociales, así como la modificación estética y ética de lo que desde el siglo xviii se ha defendido como “la razón ilustrada”. Es tarea de este estudio, por tanto, tratar de hacer efectiva la afirmación de la Teoría Crítica según la cual la misión esencial del pensamiento es “la aclaración racional y crítica de la realidad”.

Blanca Muñoz es licenciada en Filosofía y en Ciencias Políticas y Sociología y doctora por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha recibido el premio extraordinario de Licenciatura, y el premio de Investigación Científica. Actualmente es profesora titular de Sociología de la cultura de masas y Teoría sociológica contemporánea en la Universidad Carlos III de Madrid. En esta misma editorial ha publicado Teoría de la pseudocultura. Estudios de sociología de la cultura y de la comunicación de masas (1995, en el núm. 207); Theodor W. Adorno: Teoría Crítica y cultura de masas (2000, en el núm. 242); Cultura y comunicación: introducción a las teorías contemporáneas (2005, en el núm. 291); y La sociedad disonante: estudios de cultura, ideología y Teoría Crítica (2010, en el núm. 315).

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