Reediciones

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A continuación reseñamos las últimas novedades. También le invitamos a visitar el apartado “Reediciones”.

Dramadependencia. El teatro clave de nuestra comunicación

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de Alfonso Ramírez de Arellano
Colección Ciencia, serie Psicología 372
212 páginas, formato: 15x21 cm
ISBN: 978-84-245-1398-6


Los dramas humanos se asemejan a los teatrales. Comparten las mismas emociones, se adscriben a un género y obedecen a las mismas leyes de comunicación. Las posiciones desde las que podemos contemplarlos o participar en ellos son iguales a las que se desarrollan en el teatro: autor, actor, director, público, protagonista, antagonista. Asimismo, el teatro incluye múltiples lenguajes artísticos, cada uno de los cuales supone un punto de vista diferente de la comunicación humana.
Este volumen analiza el arte dramático como modelo de representación y su aplicación en terapia. Propone el teatro como herramienta para el estudio, explica los géneros como moldes culturales que atrapan al individuo una vez ingresa en ellos, e integra la dramática dentro de una perspectiva psicológica y psicoterapéutica. Existen muchas teorías sobre la comunicación, pero ninguna resulta completamente satisfactoria. Esta mirada teatral sobre individuos, que hemos dado en llamar dramadependencia, supone un novedoso enfoque en la resolución de los conflictos humanos.

Alfonso Ramírez de Arellano
es psicólogo especialista en psicología clínica y psicoterapia de familia. Ha trabajado como actor y director de teatro. Actualmente desempeña sus funciones en el ámbito de las drogodependencias, en el que ha recibido el premio Reina Sofía 1989, Mención de Honor 2008 (Prevención) y 2012 (Ensayo e investigación). Compagina la publicación de relatos en revistas literarias con artículos de divulgación científica en prensa diaria, así como con la publicación
de diversos libros, entre ellos: Coaching para adictos (2012), Manual de supervivencia del empleado público o cómo defenderse del político de turno (2007) y Actuar localmente en (drogo)dependencias (2002).

Conversaciones con Alberto González Vergel

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de Gabriel Porras
Colección Arte, serie Teoría Teatral 230
350 páginas, formato: 17x24 cm
ISBN: 978-84-245-1403-7

Este libro estudia la extensa y rica carrera de Alberto González Vergel a través de los recuerdos y reflexiones del biografiado, lo que le otorga una viveza y autenticidad especiales. En el teatro español del siglo XX, Alberto González Vergel ha representado una auténtica renovación del concepto y práctica de lo que se conoce como puesta en escena. Su idea, diferenciada claramente de la dirección escénica tradicional, está basada en la creación, el aporte personal y la concepción de la obra desde distintas ópticas sin por ello alterar el texto original. Desde su juventud al frente del TEU de Murcia, hasta las obras finales de su amplia trayectoria, pasando por la etapa como director del Teatro Español de Madrid, sus montajes han llegado a ser auténticos referentes. Trajo a nuestro país a los grandes autores rusos (era un reconocido especialista en la obra de Chéjov) y dramaturgos contemporáneos como Ibsen, O’Neill, Anouilh…, estrenando en España a Beckett, Camus, Shaffer, Rattigan y exiliados españoles (Max Aub), sin olvidar los abundantes montajes de nuestros clásicos, como los recordados El príncipe constante de Calderón, La Estrella de Sevilla de Lope de Vega o la transformación de Marta la piadosa de Tirso de Molina en la primera ópera rock española. Bebió de la dramaturgia brechtiana en su etapa alemana junto al Berliner Ensemble, a través de la perceptible influencia de Besson, Wekwerth o Perten. González Vergel fue pionero de los espacios dramáticos en TVE y uno de los creadores del mítico Estudio 1, logrando adaptar por vez primera en el medio, entre otros, a Buero Vallejo. Ejerció también la docencia en distintos centros oficiales, destacando especialmente en sus años de catedrático de Dirección en la RESAD, donde montó espectáculos memorables como El balcón de Jean Genet.

Gabriel Porras nació en Cantabria. Se licenció en Historia Moderna y Contemporánea en la Universidad de Deusto y completó estudios en Florencia. Toda su vida profesional ha estado dedicada a la docencia en institutos de Salamanca, Segovia y Cantabria. Como autor, se ha especializado en la investigación de las carreras artísticas de diversos actores, fruto de la cual son, entre otras, las biografías: Julia Martínez. Vocación de actriz, Amparo Soler Leal. Talento y coherencia, Julio Núñez, comediante, Mercedes Alonso y el cine, Victoria Rodríguez con Buero Vallejo de fondo o Luis Varela y los grandes genéricos españoles. De igual forma, ha realizado un estudio sobre La obra de Pérez Galdós y Menéndez Pelayo en el cine de Luis Buñuel, de próxima publicación, dentro de un amplio proyecto colectivo. En la actualidad ultima la biografía teatral, cinematográfica y televisiva de la actriz Maite Blasco.

Geografía de la actuación

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de Yolanda Porras
Colección Arte, serie Teoría teatral 229
284 páginas, formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1407-5

Geografía de la actuación recoge las enseñanzas de interpretación que se imparten en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). El volumen aborda la formación actoral a través de la práctica con ejemplos, propuestas y ejercicios que ilustran las vías, procederes, técnicas y recursos utilizados en la enseñanza de la actuación. Lejos de ser un recetario, constituye un espacio de reflexión en torno al actor de hoy ˗concebido como el eje sobre el que gira el hecho teatral˗ y las particularidades que caracterizan su creación.
Partiendo de las preguntas de los grandes renovadores teatrales del siglo pasado, auténticos referentes transversales, se hace necesario contrastar y profundizar en sus respuestas con el objetivo de actualizar y renovar un arte que tiene como objeto, más que ningún otro, al ser humano. Por ello, la psicología, la filosofía, la antropología y la neurociencia aparecen en estas páginas, fundamentando y ampliando los pilares de la técnica actoral.
Todos los autores de este libro (Nuria Alkorta, Domingo Ortega Criado, Mariano Gracia Rubio, Antonia García, Charo Amador, Yolanda Porras Robles, David Boceta y José Luis Patiño), profesores titulares del Departamento de Interpretación de la RESAD, han sido actores, han dirigido a actores y enseñan a actores. Conocen en primera persona los miedos, las dificultades y las inseguridades que provienen de la exposición de un cuerpo-mente delante del público. Saben de las resistencias que ese mismo cuerpo-mente ofrece ante las exigencias de transformación que supone la encarnación. Y han experimentado el goce que implica esta profesión artística: el apasionante viaje que supone comprender y penetrar en el otro, en ese ser invisible que es el personaje hasta hacerlo visible y poder afirmar: yo existo.

Yolanda Porras es máster en Artes Escénicas por la URJC, licenciada en Ciencias de la Información por la UCM y titulada superior en Arte Dramático por la RESAD. Socia fundadora del Laboratorio William Layton, ha trabajado como actriz con Miguel Narros, José Carlos Plaza, Juan Pastor, Gerardo Malla y María Ruiz, entre otros directores. Ha dirigido más de 20 montajes. Es profesora en la RESAD desde 1998.

El payaso en la academia

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de Andrés del Bosque
Colección Arte, serie Teoría teatral 231
264 páginas, formato: 15 x 21 cm
ISBN: 978-84-245-1409-9

Este libro es un viaje en busca de la risa perdida. En él se proponen nueve categorías de análisis para llegar a la esencia del espectáculo y concebirlo en todas sus facetas. Conjuga erudición y praxis, nos sumerge en una atmósfera en la que lo racional abre la puerta a la irracionalidad del payaso, iconoclasta reconstructor de nuestra más honda humanidad. Armoniza el rigor de lo académico con la pasión desbordante de quien reivindica el valor regenerador de la comedia.        Pepe Viyuela
Provocar la risa como oficio es complejo, sutil y un camino largo. Entre la tontería y la genialidad hay una línea muy estrecha. No es lo que se hace, es el cómo, el tempo, el pequeño detalle. La resolución solo es fiable después de largos años de experiencia. Quizás por ello solo después de tamizar un número con muchas actuaciones se puede intentar llegar a la esencia del payaso: la poesía escénica. El payaso en la academia es una suerte de poética de la risa que deja huella en esta dirección.   Tortell Poltrona

Andrés del Bosque
es doctor en Artes Escénicas y licenciado en Dirección Teatral. Formado en Colombia con Enrique Buenaventura y especializado en clown y bufón con Philippe Gaulier, Antonio Fava y Vladimir Kryukov, es director y autor de la mítica Las siete vidas del Tony Caluga. Como clown, ha participado en el legendario grupo Tábano. Ha recibido el premio al mejor actor en el Festival de Cine de Bogotá, el primer premio de dramaturgia de la revista Parábasis, el premio de la Asociación de Periodistas de Espectáculos de Chile, el Eugenio Dittborn de la Universidad Católica y el premio de Dramaturgia de la municipalidad de Santiago de Chile.

Cautivo y desarmado. Perdidos en un mundo del revés

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de José Félix González
Colección Ciencia, serie Sociología 373

228 páginas, formato: 15 x 21 cm
ISBN: 978-84-245-1399-3

Vivimos cautivos de una mentira tan bien diseñada, que es mentira incluso que todo sea mentira. La realidad que soporta el hombre corriente es producto de una ficción, y este espejismo, activado por los mass media y la industria del espectáculo, se juzga más real que la verdad ontológica. Esta quimera de libertad nos hace olvidar que todo nuestro entorno se guioniza y tramita, desde siempre, a través de dos niveles de realidad: en el de la superficie, se nos muestra el relato oficial, una ficción digerible, falseada e insidiosa; y, en lo profundo, se oculta la historia verdadera, secreta y criminal. El Régimen que nos domina es una hidra de dos cabezas: ultraliberal en lo económico, y krausista en lo sociopolítico. Pero no solo la élite socioeconómica articula esta distopía delirante; el individuo normal participa de su penosa situación: su falta de compromiso con su propia virtud le convierte en cómplice del desaliento colectivo.
Cautivo y desarmado… no aspira a ser un bestseller, ni a hacer historia. Su mirada, ácida y multidisciplinar, se aleja y desmonta el modelo (tesis-antítesis-síntesis) que salvaguarda las estructuras que nos someten y canibalizan. Al lector solo le queda recorrer el doloroso camino hacia el conocimiento positivo… Al lector le queda todo.

José Félix González
es licenciado en Periodismo y doctor en Comunicación por la Universidad Pontificia, y licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Salamanca. Otras obras suyas en Fundamentos son: El héroe del western crepuscular. Dinosaurios de Sam Peckinpah (2007); El hombre que apagó una cerilla con un bidón de gasolina. Manual de ética urgente (2011), junto a Juan Antonio Blázquez; y Ética esquelética (2014).

Para que el arte ocurra. Lenguaje y práctica del desbloqueo en las artes escénicas

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de Raimon Àvila
Colección Arte, serie Teoría Teatral 227
168 páginas, formato: 15 x 21 cm
ISBN: 978-84-245-1400-6

Según el director de teatro Declan Donnellan, no existen actores o actrices con más o menos talento, sino intérpretes más o menos bloqueados. El desbloqueo es un paso indispensable para afrontar con éxito los retos escénicos. Desgraciadamente, en no pocas ocasiones, directores y docentes intentan enmendar la interpretación de actores, músicos y bailarines con pautas de corrección que acaban anulando la confianza de la persona que las recibe.
En este libro, el lector descubrirá los principales factores de bloqueo en las artes escénicas, y el porqué de su aparición. En un tono a la vez ameno y riguroso, el autor proporciona recomendaciones prácticas, útiles ejercicios y estrategias concretas que facilitan su superación.

Raimon Àvila estudió danza contemporánea en el Institut del Teatre de Barcelona, y en la escuela Mudra, de Maurice Béjart, en Bruselas. Desde 1988 imparte clases de Técnicas de Conciencia Corporal y Movimiento en la Escuela Superior de Arte Dramático del Institut del Teatre de Barcelona, así como en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC). Ha escrito, estrenado y publicado varias obras de teatro y es un galardonado poeta, además de ensayista. Entre sus trabajos más renombrados están la coreografía y dirección de parte de la ceremonia de los Juegos Olímpicos de 1992 y su labor como director del trabajo de final de grado del ESMUC El mal querer, de la cantante Rosalía.

Transformando entre bambalinas. Entrenamiento actoral para personas con y sin diversidad intelectual

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de Javier Martínez Lorca y Esperanza Viladés Coll
Colección Arte, serie Teoría Teatral 228
168 páginas, formato: 15 x 21 cm
ISBN: 978-84-245-1410-5

Este libro es un manual de buenas prácticas para la inclusión de las personas con discapacidad intelectual en la actuación y el teatro. Apuesta por su participación en la sociedad y la cultura como seres activos y no meros espectadores del trabajo de otros, mediante un modelo pedagógico de respeto a la diversidad y la mediación comunitaria. En sus páginas encontrarás una breve historia del teatro físico, sus referentes y su influencia en el teatro inclusivo: teoría de la transformación social inclusiva, legislación al respecto, y situación actual. La segunda parte, de contenido práctico, ofrece consejos para profesores, esquemas para la organización de las clases y un rico catálogo de ejercicios divididos por materias. Este manual resultará útil a un amplio elenco de lectores: profesores de talleres de adultos y niños con y sin discapacidad, grupos amateurs, autodidactas curiosos… Partimos de la idea de que todos somos únicos y, por lo tanto, diversos y especiales.

Javier Martínez Lorca es titulado por la ESAD de Murcia, máster en AAEE por la Universidad de Murcia y postgrado en Discapacidad, Inclusión y Ciudadanía por la de Castilla la Mancha. Trabaja como docente especializado en diversidad intelectual y colabora con diversas instituciones murcianas como Teatro Circo, CEPAIM, o CARM. Además, es gerente de la Asociación Alfa, y actor y director de la compañía Corralarte.

Esperanza Viladés Coll es titulada por la ESAD de Murcia, máster en AAEE por la Universidad de Murcia y posgrado en Theatre and Performing Arts. Learning and Teaching in HE por el Rose Bruford College de Londres. Desde 1992 trabaja como profesora de Interpretación en la ESAD de Murcia.

La conflictividad laboral a través del cine. Las adversidades de los trabajadores y la evolución histórica del sindicalismo en la pantalla

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de José Hernández Rubio
Colección Arte, serie Cine 226
390 páginas, formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1402-0

Como en cualquier relación humana, la conflictividad ha sido y es parte inherente de la dinámica laboral. El cine, reflejo, de la vida y de la historia, no ha sido ajeno a este tipo de conflicto mostrando, a menudo en forma de denuncia, los abusos y enfrentamientos entre patronal y trabajadores, el nacimiento y la evolución de la lucha obrera y la conciencia sindical, el drama del desempleo o las distintas conquistas: raciales, de género y de identidad sexual dentro del espacio laboral. Este volumen viene a suplir un hueco en el panorama bibliográfico en español, donde hasta ahora no existía un análisis tan exhaustivo de la conflictividad laboral en el cine pasado y presente, con una mirada también a la evolución de la mentalidad y las relaciones de trabajo a través de su representación en el celuloide. Dividido en cinco partes, se centra primero en las nociones básicas del movimiento sindical, para a continuación analizar el fenómeno de este tipo de filmes junto a los que muestran el enfrentamiento laboral y sus causas; el episodio cuarto expone las etapas en la historia moderna y contemporánea del movimiento obrero, y estudia sus manifestaciones cinematográficas en una pluralidad de épocas y países. Termina con un análisis pormenorizado de 212 películas, –ficha técnica, sinopsis, y estudio de los elementos formales y argumentales con relación al conflicto laboral–¬, que constituye un utilísimo catálogo y obra referencial que puede consultarse al margen de la lectura completa del libro.

José Hernández Rubio es doctor en Humanidades por la Universidad Carlos III. Máster en Historia y Estética de la Cinematografía, realizó también el máster en Investigación y Gestión del Patrimonio Histórico, Artístico y Cultural con “El Movimiento Obrero en el Cine” como trabajo final. Ha impartido cursos de cine en distintas universidades dentro y fuera de España y es autor de Las 100 mejores películas del cine social y político y La transición histórica de los EE UU de los años veinte a los treinta a través del cine.

Historiadoras negadas: la escritura femenina de la historia en el largo siglo XVIII

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de Tania Robles
Colección Ciencia, serie Género 371
444 páginas, formato: 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1395-5

Este volumen reivindica la evolución de la actividad de la mujer a lo largo de los siglos XVII y XVIII en la producción de obras historiográficas. Describe las características de sus escritos, los recursos y discursos empleados en los mismos, a la vez que expone los mecanismos que utilizó la República de las Letras, dominada por varones, para condenar sus producciones a la invisibilidad.
     El análisis conjunto de los textos, y de las circunstancias en que fueron escritos, inédito en el mercado literario español, descubre para el lector un universo común: mujeres que escribían desde el ámbito doméstico, muchas veces en defensa de su propia familia y teniendo que superar las limitaciones que la educación androcéntrica les negaba. Se destacan las singularidades de cada autora, se traza una cronología en la evolución de la escritura de historia hecha por mujeres y se examina la importancia de los salones, cuya aparición favoreció la inserción femenina en un modelo de sociabilidad del que fue protagonista.

Tania Robles Ballesteros es doctora en Historia por la Universidad Complutense de Madrid. Centra su actividad científica en la historia de las mujeres y las relaciones de género en los siglos XVII y XVIII, especialmente en el papel de estas como escritoras en la centuria ilustrada y las viajeras del periodo. Es miembro del proyecto de investigación La voz de las mujeres en la esfera pública, siglos XVI-XXI.

El dominio del movimiento

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de Rudolf Laban
Colección Arte, Teoría Teatral 222
270 páginas, formato 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1381-8

Este es, sin duda, uno de los libros más completos de Rudolf Laban en el que la pasión del autor por el lenguaje corporal se refleja en cada una de sus páginas. Una pasión que se abre, en este texto, a un extraordinario abanico de géneros: junto a un detallado manual técnico, encontramos párrafos llenos de fuerza poética que nos estimulan para seguir confiando en el valor del arte del movimiento, también añade su preocupación por la fundamentación histórica y antropológica que transporta cada idea a un lugar y a un suceso concreto, facilitando la comprensión del lector.
     A través de esos diferentes planos Laban va desgranando su concepción del arte del movimiento, una concepción absolutamente contemporánea, donde la sistematización científica gana vitalidad mediante argumentos filosóficos y sociales. Laban defiende la idea de que se produjo una fractura entre la danza y el mimo, separando el gesto corporal de su función dramática, y que es necesario volver a integrar ambas manifestaciones para recuperar el origen simbólico del arte del movimiento de los tiempos primitivos.
     La exposición de su pensamiento tiene como contrapunto la amplia sección dedicada a la descripción de ejercicios de técnica corporal y el capítulo de los textos dramáticos, compuesto de tres ejemplos de su nuevo concepto de mimo; que hoy podríamos llamar ‘teatro físico’ o ‘teatro del gesto’.

Rudolf Laban
escribió este volumen entre 1948 y 1950. La primera edición se tituló The Mastery of Movement on the Stage (El dominio del movimiento en la escena), pues el autor quiso reflejar la utilidad de su texto para los actores y bailarines. En las posteriores ediciones, ante el éxito obtenido, se optó por un título que incluyera a los lectores de otros campos profesionales. Debemos a Lisa Ullman su ayuda inestimable para la redacción y estructuración del texto definitivo. Ella fue quien acogió a Laban en Londres cuando huyó del régimen nazi y, a partir de entonces, se encargó de organizar y revisar toda su obra, convirtiéndose en su asistente y colaboradora hasta el momento de su muerte.

Los lloricas

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de Ramón Reig
Colección Ciencia, serie Economía, Política y Sociología 369
76 páginas, formato 13 x 20 cm
ISBN: 978-84-245-1397-9

Sentado en una mesa, ante unas herramientas para escribir, el humano arregla el mundo en una noche de insomnio. Pero por la mañana, al salir a la calle, se tropieza con otro mundo ajeno al deseo con el que ha estado haciendo el amor toda la noche. Ahora su reto es enfrentarse a él o taparlo con más imaginarios derivados de su anhelo cuasi místico. Cuando ese anhelo se vuelve irrefrenable pero no se sabe qué hacer para convertirlo en realidad, aparecen los lloricas. O nos defendemos de ellos o terminaremos en un velatorio crónico mientras que los listos que se han adaptado al medio, gobiernan, mandan, y alimentan las lágrimas de los lloricas hasta que nos ahoguemos todos en lágrimas por falta de salvavidas.

Ramón Reig es catedrático de Estructura de la Información en la Universidad de Sevilla. En solitario, ha publicado once libros de poemas, tres de narrativa y una veintena sobre comunicación y periodismo, entre ellos Sobre la comunicación como dominio, aparecido en esta misma editorial.

La causa de las mujeres en Gran Bretaña a través de sus textos

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de Lidia Taillefer (ed.)
Colección Ciencia, serie Género 370
278 páginas, formato 17x24
ISBN: 978-84-245-1389-4

Gran Bretaña lideró la lucha por la igualdad de las mujeres en Occidente. Este volumen, fruto de una intensa labor de investigación, recorre el movimiento sufragista británico de los siglos xix y xx a partir de sus textos: desde los escritos en pro de la mujer y el voto femenino de personalidades tan reconocidas como Emmeline Pankhurst o Virginia Woolf, a otras defensas sobre cuestiones
de género de autoras menos célebres.
Ensayos, escritos políticos, conferencias, memorias y diarios documentan la causa de las mujeres de forma más explícita o directa
que otros géneros. Esta recopilación descubre para el lector hispano el germen del feminismo moderno, semilla de posteriores
movimientos y teorías, e hilo conductor entre pasado, presente y futuro.
Los diecisiete autores que aquí se recogen (quince mujeres y dos hombres) destacaron en diversos campos del conocimiento
como la filosofía, la literatura, la medicina, la sociología, la educación o la política. Sus textos ofrecen una visión global de las
inquietudes feministas de la época, algunas tan vigentes como la polémica sobre la prostitución, presente en los escritos de Josephine
Butler.

Lidia Taillefer
es doctora en Filología Inglesa por la Universidad Complutense de Madrid, experta en Traducción por esta misma universidad y máster en Liberal Arts por la City University of New York. Profesora titular del departamento de Filología Inglesa de la Universidad de Málaga, su docencia y publicaciones versan sobre distintos ámbitos de la Lingüística Aplicada, y sobre Estudios de Género. Ha traducido importantes obras de las letras inglesas y coordinado varias ediciones de Estudios de Género.

Teatro Piezas Breves. Curso 2018/2019

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de Mirza Alejandra, Tino Antelo, Julio Béjar, Nieves Cisneros Pascual, María Díaz, Antonio Domínguez Delgado, Laura Esteban, Alejandro Pérez Portillo, Juan Sánchez Gómez, Amanda Solar y Mercedes Úbeda
Colección Espiral, serie Teatro 434
384 páginas, formato 11,3x20,3
ISBN: 978-84-245-1394-8

Este volumen antológico compendia la experiencia de un grupo de jóvenes dramaturgos que durante un curso académico han desafiado el miedo a la página en blanco para crear sus comedias y tragedias breves en un camino de palabras. Cada obra aquí disponible para la lectura es el resultado de un diálogo con el tiempo, con la técnica, con la emoción y con la recepción que el sistema teatral efectúa de un texto, vinculándolo a un repertorio preexistente. Es un diálogo exigente, en el que cada autor o autora corrige sus materiales en busca de la mejor versión del texto, la más adecuada para su experiencia pública. Y cada miembro de la clase escoge a un compañero que será su «lector implícito»: un lector anticipado en el tiempo, que conocerá antes y mejor las sucesivas versiones desarrolladas, capaz por tanto de efectuar un análisis más preciso y completo del texto, y de ofrecer a su colega una devolución crítica más amplia y enriquecedora para seguir trabajando. La obra se termina cuando su autor acepta que, de prolongarse el proceso de corrección, no emergería una mejor versión.
(Itziar Pascual)

Teatro. Promoción RESAD 2018

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Teatro. Promoción RESAD 2018, de Ismael Gil Candal, Eva Mir y Celia Morán
Colección Espiral, Serie Teatro 433
Formato: 11,3x20,3 cm; 202 páginas
ISBN: 978-84-245-1393-1

En este libro, que recoge los textos escritos por tres de nuestros recientes egresados en el último curso de sus estudios teatrales, lanzamos al mundo unas palabras que representan la culminación de un delicado proceso de aprendizaje práctico, basado en la observación e interacción personalizadas, que solo puede ofrecer una institución como la RESAD.
Con Aturuxo conoceremos el talante de bromista melancólico que se gasta Ismael Gil Candal; su juguetona libertad a la hora de mezclar texturas, tonos, acentos y calidades; su mundo particular, coloquial en el diálogo pero cercano al realismo mágico en el transcurso de los acontecimientos; su humor, siempre compasivo.
En El silencio de los relojes, la constancia y el tesón de Eva Mir; su mirada particular sobre la acción: concreta, ponderada y reflexiva; su aspiración a la excelencia que traspasa las palabras nos invitarán a transitar por escenarios de alta calidad emocional, sin concesiones o frivolidades.
Para Tatuaje. La quinta sinfonía callejera de la generación del piojo verde Celia Morán se yergue en gladiadora del teatro capaz de mostrarnos una fiera belleza que parece agazapada tras las expresiones del habla común; con un oído dotado para el ritmo y para la jerga castiza, a un tiempo acendrada y originalísima; y unos personajes que cantan aunque hablen, y ríen aunque giman.
(Yolanda Pallín)

La valenciana Eva Mir Piqueras ha sido galardonada con el Premio de Teatro para Autores Noveles Calderón de la Barca 2019 que convoca el Ministerio de Cultura y Deporte a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). Además de la obra aquí incluida, El silencio de los relojes, también publicamos su pieza breve Incienso (2017, número 423).

El actor en el espacio. La escenografía como generadora de la acción escénica

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de José Luis Raymond
Colección Arte, serie Teoría Teatral 225
262 páginas, formato 21x26
ISBN: 978-84-245-1391-7

Este libro va dirigido a todas las personas que desean participar de las acciones creativas que se producen en el espacio escénico a través de los elementos escenográficos que lo componen: cuerpo, iluminación, indumentaria, espacio sonoro, movimiento, acción… Las múltiples combinaciones de estos elementos conforman las bases arquitectónicas del juego escénico, con las que se elaborará la plasticidad, la espontaneidad y la imaginación del hecho teatral.
El cuerpo, el espacio y la imagen serán otras herramientas con las que el actor tendrá que gestionar la elaboración de sus discursos escénicos, promoviendo las dramaturgias visuales que hayan surgido del encuentro de la acción directa, el azar y el desconcierto.
Un ángulo, una altura, una línea, un cuerpo, una palabra o una imagen…, conceptos todos que los actores utilizan para marcar y delimitar espacios de acción y formación de otros nuevos, son útiles para organizar las bases de la composición plástica en la escena y también servirán para crear personales escrituras de acción.
No solamente se habla en estas páginas del espacio escénico, sino también de las artes plásticas que lo sostienen, de sus funciones y de sus gestos creativos, que son utilizados para descubrir otros espacios donde los actores inventen estrategias formales y conceptuales que les sirvan para trabajar el trasvase del plano bidimensional al tridimensional.
El espacio es también el concepto con el que el artista desea plasmar su pensamiento de acción, siendo la construcción visual de sus percepciones la que ponga en pie su mundo imaginado.
Espacio creativo y espacio pedagógico se colocan frente a frente para indicar la necesaria colaboración entre ambos, para concebir pedagogías del arte y arte en la pedagogía. Ambas palabras se deben experimentar in situ para hablar de la plástica escénica en El cuerpo en el espacio y poner la experiencia en disposición de tomar decisiones que ayuden a entender la práctica artística.

José Luis Raymond inicia su formación creativa y pedagógica en la Escuela de Profesorado de EGB y en la Facultad de Bellas Artes del País Vasco (UPV/EHU), donde se doctora con la tesis El cuerpo como generador de nuevos espacios escénicos. También ha realizado el Máster de Investigación en Arte y Creación de la Facultad de Bellas Artes de la UCM.
Cursa estudios de posgrado de escenografía en la Akademia Sztuk Piekni (Warszawie). Desde 1990 hasta la actualidad es profesor en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), donde imparte las asignaturas de Espacio Escénico, Escenografía y El actor en el espacio, siendo esta última materia la que le ha llevado a la investigación y publicación de este libro. José Luis Raymond ha impartido estos procesos plásticos-escénicos en másteres y grados de universidades españolas e internacionales como la Universidad Michel de Montaigne (Burdeos), la Academia de las Artes de Shanghái, Middlesex University (Inglaterra), etc.
Compagina la pedagogía creativa con la actividad artística, en la que realiza exposiciones de pintura, instalación y fotografía, así como el diseño escenográfico, la dirección de escena y las acciones directas.
En el año 2015 desarrolla el comisariado nacional para la Cuatrienal de Escenografía en Praga. Es miembro fundador de la Asociación de Artistas Plásticos de España (AAPEE).

Teatro físico: la revolución de las formas

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de Alfonso Rivera
Colección Arte, serie Teoría teatral 224
192 páginas; formato 15 X 21 cm
ISBN: 978-84-245-1388-7

¿Qué es el teatro físico? ¿Cuándo y por qué surge este término? ¿A qué tipo de prácticas escénicas alude? ¿Cuáles son sus rasgos más relevantes?
Alfonso Rivera realiza un análisis pormenorizado de las principales tendencias y compañías teatrales que emplean el cuerpo como núcleo de la creación escénica, al tiempo que reflexiona sobre las aportaciones técnicas y metodológicas de sus referentes más destacados. Un apasionante recorrido por las formas que revolucionaron la danza-teatro, el mimo moderno, las máscaras expresivas, el nuevo circo y las vanguardias ritualistas.
Un manual claro e imprescindible para comprender la evolución de las corrientes pedagógicas y artísticas más innovadoras de la actualidad.

Alfonso Rivera es pedagogo del teatro del gesto. Licenciado en Interpretación por la RESAD; doctor con mención europea por la Universidad de Santiago de Compostela; máster en Dirección y Pedagogía del Movimiento en la Central School of Speech and
Drama de Londres; especializado en la técnica de Étienne Decroux y en la pedagogía de Jacques Lecoq. Ha impartido cursos de teatro físico en universidades como Exeter University (Reino Unido), Rose Bruford College (Londres), JAMU (República Checa), Anadolu University (Turquía) y Kunstuniversität Graz (Austria). Es autor del libro El camino del actor a través del entrenamiento psicofísico (2017).

Dependencias. No se lo digas a nadie

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de Victoria Enguídanos
Colección Espiral, serie Teatro 432

136 páginas; formato 11,3 X 20,3 cm
ISBN: 978-84-245-1390-0

Las obras que aquí presentamos hablan del origen y las consecuencias del dolor y el autodesprecio, pero también de la esperanza y de la posibilidad de liberarnos de las cadenas y avanzar.
   Dependencias relata la relación tóxica de tres mujeres con las drogas, la comida, el maltrato amoroso y el trabajo. Enganchadas las unas a las otras, y a la imagen que de ellas mismas se han creado, buscan en los problemas ajenos un refugio a su propia falta de autoestima, incapaces de enfrentarse al enemigo más inevitable, el que habita en nuestro interior.
   No se lo digas a nadie aborda las secuelas que dejan en la vida adulta los abusos sexuales sufridos en la infancia, y explora la complicidad del silencio que nace del miedo y la culpa. Su original montaje presenta a un solo personaje sobre el escenario, que es a un tiempo víctima y sanadora, sustentada por un espacio sonoro en el que intervienen cuatro actores más.

Victoria Enguídanos
es autora, directora e intérprete. Licenciada en arte dramático por l’ Escola Superior d’Art Dramàtic i Dansa de València, tiene amplia experiencia en cine, televisión y teatro.

Arte, memoria y trauma: Aletheia, dar forma al dolor

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de Marián Lopez Fdz. Cao (ed.)
Colección Ciencia, serie Psicología 367
254 páginas; formato 21 X 26 cm
ISBN: 978-84-245-1372-6

El trauma, esa aguja punzante, esa piedra ácida y pesada que nos devora y atraganta, tiene la capacidad de esconderse en nuestro cuerpo, en nuestra mente, haciéndonos olvidar aparentemente su recuerdo para poder seguir viviendo. Como si hubiésemos atravesado el río Lete, entre el sueño, la discordia y la muerte, nuestro ser necesita del olvido para soportar la existencia. Escondido en zonas inconscientes donde habita lo innombrable, el trauma conduce nuestra vida sin saberlo, haciendo de ella un lugar de sufrimiento.
Este libro, el primer volumen de dos, fruto de un vasto proyecto de investigación, nace con el objetivo de desvelar lo oculto, por ello toma el nombre de Aletheia. Quiere abrir, con delicadeza y ternura, la cicatriz que cerró en falso un dolor que vive intenso en nosotros, a veces, desde nuestra primera infancia. La creación, como acompañante más allá del lenguaje discursivo, pone imágenes, metáfora, sonido a una herida impronunciable.
Desde hace más de sesenta años, los procesos creadores aplicados en terapia (a través de las artes visuales, la danza, el teatro y la música), al trabajar alternativamente con los dos hemisferios cerebrales –al fluctuar entre la expresión simbólica y la interiorización de los resultados a través del lenguaje y la escritura–, permiten el trabajo de la reconstrucción narrativa, corporal y emocional del trauma y ofrecen la capacidad de dar sentido al dolor. Por ello se han revelado como instrumentos eficaces para la mejora de personas y colectivos que necesitan de vías más allá del discurso analítico, para expresar, por decirlo de algún modo, lo inexpresable.
En las últimas décadas, la neurociencia ha confirmado lo que los artistas venían mostrando desde hace siglos: que no todo discurso es analítico y ordenado; que la memoria no es siempre organizada, ni el tiempo lineal y medible; que no todo el espacio puede ser mesurable, ni nuestras acciones coherentes. Que hay un tiempo de incubación donde el cuerpo –ninguneado durante siglos de mentalidad cartesiana y religiosa− es también cerebro empático y convierte en huella física nuestras alegrías y dolores, allá donde la razón no llega. Los procesos creadores insertados en procesos terapéuticos están permitiendo no solo la expresión y exteriorización del
trauma, sino su elaboración en la narración vital, que permite la integración y trasformación de experiencias.
Marián López Fdz. Cao es profesora de la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado estancias de investigación en Alemania, Reino Unido y EE UU. Desde 2017 es vicepresidenta del European Consortium of Art Therapy Education. Ha sido directora del Instituto de Investigaciones Feministas (2007-2011) y presidenta de la Asociación Mujeres en las Artes Visuales (2012-2017). El grupo de investigación que dirige, EARTDI (www.ucm.es/eartdi) ha llevado a cabo proyectos de investigación europeos y estatales sobre arte, igualdad y justicia social.
Ha sido invitada por universidades y centros culturales de Brasil, Argentina, México, Colombia, Chile, Grecia, Hungría, Reino Unido, Estonia, Eslovenia, entre otros. Es Premio Rosa Regàs 2010 por la colección educativa Posibilidades de ser a través del arte, de la editorial Eneida; Premio de la VIII Jornada de Humanización de Hospitales para niños y Primer Premio de Transferencia en Tecnología y Conocimiento en Ciencias Sociales y Humanidades 2017. Ha publicado numerosos artículos y libros sobre arte, procesos creadores, igualdad y bienestar psicosocial. Entre sus últimas obras, en esta misma editorial, Para qué el arte. Reflexiones en torno al arte y la educación en tiempos de crisis (2015).

Asombros y encantos. La escenificación de la comedia de magia del siglo XVIII

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de Ana Contreras Elvira
Colección Arte, Serie Teoría Teatral 220
288 páginas; formato 17 X 24
ISBN: 978-84-245-1378-8

Este libro ofrece una teoría estética y una reconstrucción de la puesta en escena de la comedia de magia del siglo XVIII, el género escénico más importante en la España de esa centuria. La investigación parte de dos preguntas: ¿por qué tuvo tanto éxito la comedia de magia? y ¿por qué molestaban tanto las comedias de magia? La respuesta a ambas es prácticamente la misma, y tiene que ver con motivos ideológicos y espectaculares. Para entender lo que la comedia de magia significaba para sus espectadores es necesario, por lo tanto, comprender sus imaginarios -las representaciones mentales que contribuyen a la construcción de nuestra comprensión de la realidad-, y también las condiciones concretas de la representación.

Tanto escénica como estética e ideológicamente podemos entender la comedia de magia del XVIII como el producto culminante de una forma de entender el mundo que recoge la tradición medieval del carnaval, la de la magia renacentista y la de la emblemática de la fiesta barroca, pero en la que también se funden ideas propiamente dieciochescas e incluso ilustradas, como la educación, la justicia, la libertad y la igualdad de género y clase, que en el caso de nuestro país incidieron en el estallido de nuestra particular revolución: el Motín contra Esquilache. Por eso, frente a cierta crítica que lo tildaba de simple, disparatado e, incluso, aberración de la fantasía o monstruo de la imaginación, podemos decir que es un género sincrético y contradictorio propio de esta época liminal y compleja. La configuración concreta del coliseo, espacio teatral genuinamente hispánico donde eclosiona el género, sus posibilidades escenotécnicas y relacionales, así como las técnicas interpretativas y prácticas corporales, contribuyen a la creación de un espectáculo fabuloso, de grandes ilusiones e imágenes virtuales donde, entre risas y magia, burlas y veras, se convocan seductores demonios, magos y magas capaces de los mayores prodigios. En escena aparecen estatuas animadas, magas a lomos de dragones, muertos vivientes, ejércitos capitaneados por mujeres, cambia rostros, duendes, apariciones, desapariciones y transformaciones varias. En definitiva, un espectáculo multidisciplinar, no muy lejano de nuestra sensibilidad contemporánea.

Ana Contreras Elvira
es profesora titular de Dirección Escénica en la RESAD, Doctora en Filología Hispánica (UCM), Licenciada en Dirección de Escena, Dramaturgia (RESAD) y Derecho (UBU). Ha dirigido más de una treintena de espectáculos. Sus líneas de investigación se centran en las últimas tendencias del teatro contemporáneo, la pedagogía artística, el teatro del siglo XVIII, el teatro conventual y, sobre todo, la relación entre lo teatral, lo ético y lo político. Ha impartido conferencias en universidades nacionales e internacionales y publicado numerosos trabajos. Es miembro de varios colectivos y asociaciones teatrales y educativas, entre otras ADE, AIH, ISECS, ITEM, SEESXVIII. Forma parte de la Junta Directiva de la Asociación Internacional de Teatro del Siglo XXI y del Consejo de Redacción de la revista Acotaciones. Es organizadora de las Jornadas de Teatro y Feminismos de la RESAD y fundadora del Grupo de Investigación de Feminismos y Estudios de Género (RESAD). Forma parte del proyecto “GENEALOGIES. Women’s Contribution to the Construction of Present-Day”, y del Proyecto I+D La conformación de la autoridad espiritual femenina en Castilla, dirigido por la dra. Rebeca Sanmartín Bastida, donde realiza una investigación performativa sobre Sor Juana de la Cruz.

Soft power: heroínas y muñecas en la cultura mediática

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de Asunción Bernárdez Rodal

Coleción Ciencia, serie Género 365
200 páginas; formato 17 x 24 cm
ISBN: 978-84-245-1367-2

La enorme influencia social que ostentan los medios de cultura de masas, esos poderes blandos (soft power) que suelen reflejar los intereses de las instituciones dominantes, radica en que conforman nuestra existencia y las creencias que consideramos íntimas de un modo insidioso. Acudimos al cine, vemos una serie, leemos relatos de ficción como una forma de evasión y divertimento, abandonándonos al placer que nos producen e inconscientes de su enorme poder adoctrinador. Por eso desde una perspectiva feminista crítica resulta imprescindible analizar las nuevas formas de representación de la mujer que nos proponen.
Este volumen nos proporciona los instrumentos para detectar y deconstruir los dispositivos sexistas tras las figuras femeninas de la cultura pop: desde las guerreras hipersexualizadas de finales del siglo XX, a las heroínas inteligentes pero problemáticas de la última década; de las sempiternas muñecas maternales, a la ineludible Barbie. Se dibuja así el correlato emblemático del proceso de integración de las mujeres al mundo del trabajo asalariado: a la libertad que ello les concede se contraponen las exigencias de no descuidar su belleza ni faltar a sus otras “obligaciones femeninas”. De este modo, las producciones mainstream han convertido a las princesas de antaño en las súper mujeres de ahora, nuevas representaciones de un mismo poder simbólico, hábilmente camuflado como realidad natural e ineludible.

Asunción Bernárdez Rodal es profesora titular en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Sus principales líneas de investigación son los Estudios Feministas, de Género y Visuales y la Semiótica de los medios de masas sobre los que ha publicado más de cincuenta artículos académicos y varios libros, entre ellos Mujeres en medio(s). Propuestas para analizar la comunicación masiva con perspectiva de género (núm. 354 de esta misma colección). En la actualidad es directora del Instituto de Investigaciones Feministas de la UCM.

Akira Kurosawa: Autobiografía (o algo parecido)

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5ª ed. revisada, de Akira Kurosawa

Colección Arte, serie Cine 107
224 páginas; formato: 15x22 cm
ISBN: 978-84-245-1364-1

Considerado el emperador del cine japonés o el Shakespeare del cine contemporáneo, como lo calificó Steven Spielberg al conocer su fallecimiento, Akira Kurosawa es hasta la fecha el más célebre director de cine de su país y uno de los más grandes e influyentes de la cinematografía mundial. Autor y director de obras tan conocidas como Los siete samuráis (en la que se basó el famoso western Los siete magníficos), en 1990 la academia de Hollywood reconoció su trayectoria con un Óscar honorífico. Anteriormente ya lo había premiado por Rashomon y Dersu Uzala, galardones que se unieron a muchos otros como el León de Oro en el Festival de cine de Venecia o el Oso de Plata en Berlín.
     Leer la Autobiografía de Kurosawa es asistir a una lección magistral de narrativa fílmica, conocer sus orígenes, sus maestros, las fuentes de las que bebió… pero es además revisitar con él su infancia y juventud en el Japón Imperial de los años veinte, su primer contacto con la muerte, la guerra y la derrota, la amistad y el despertar de su vocación artística.
Recuerdos, sueños y nostalgias que inspiraron también el maravilloso mundo onírico de uno de sus últimos films Los sueños de Kurosawa, ocho relatos dramático-fantásticos, ocho sueños reales del propio director que se nos descubre en este libro como un soñador perfeccionista, un niño acobardado que quiso ser pintor y acabó convertido en un gigante del cine mundial.

Akira Kurosawa fue el director de cine japonés más famoso de todos los tiempos. Nacido en Tokio en 1910, en 1943 realizó su primer film, Sugata Sanshiro (La leyenda del gran judo). Dirigió una treintena de películas, y escribió el guión de casi otras tantas. Una de las características más notables de su cine es su carácter universal, fruto de una vasta cultura artística e intelectual, lo que sin duda contribuyó a la difusión de su obra, pero le valió también la crítica de “director occidentalizado”. Murió de un derrame cerebral en 1998 en su casa de Tokio.

Audie Bock (Berkeley, 1946) vivió en Tokio durante los años 1968-73 donde trabajó como profesora de inglés y editora de libros de viaje. Posteriormente se doctoró en estudios asiáticos por la Universidad de Harvard. Para su tesis sobre directores de cine asiáticos volvió a Japón, a fin de entrevistarse con algunos de ellos. A raíz de estos encuentros surgió una amistad entre ella y el director Akira Kurosawa para quien trabajó como ayudante de producción en Kagemusha, la sombra de un guerrero.
Bock publicó su tesis en el libro Japanese film directors (1978). También es autora del primer estudio en inglés sobre el realizador japonés Mikio Naruse, Naruse: A Master of the Japanese Cinema (1985).

Responsabilidad ética y economía global

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Estudio sobre los denominados Objetivos de Desarrollo Sostenible como límites económicos, éticos y ecológicos de las empresas del futuro
de Luis Martínez de Velasco

Colección Ciencia, serie Economía 364

168 páginas; formato: 13,3 x 19,3 cm
ISBN: 978-84-245-1357-3
1ª edición

Que las empresas capitalistas del futuro tienen que respetar –si es que quieren sobrevivir– unos límites mínimos (éticos, ecológicos) y máximos (económicos) es un síntoma, una especie de cartel indicador: hay que atenerse a ciertas restricciones y hay que hacerlo siguiendo una determinada dirección. Los denominados Objetivos de Desarrollo Sostenible vienen a dibujar, con su presencia, el horizonte de una economía racional. Representan una victoria póstuma de Keynes y, de forma más lejana y profunda, de la economía política clásica, que desemboca y alcanza su culmen con Marx. La actividad económica debe responder de forma ineludible a una planificación, y debe hacerlo siguiendo estrictos criterios de equidad y de sostenibilidad.

Luis Martínez de Velasco es profesor de Filosofía de Enseñanza Secundaria en el Instituto Menéndez Pelayo de Getafe (Madrid) y ha impartido cursos de doctorado en la UNED desde 1992 a 2012. Algunos de sus escritos han sido recomendados en libros, manuales y artículos especializados tanto españoles como extranjeros. Tras La casa de cristal. Hacia una subversión normativa de la economía (escrito en 1993 en colaboración con Juan Manuel Martínez Hernández) y El espejismo de la economía. Análisis de una ciencia bajo sospecha (2014; ambos en esta misma editorial), aparece ahora este libro concebido por su autor como un proyecto a corto plazo de investigación empírica. Del epílogo se ha encargado su viejo amigo y colaborador, el filósofo Juan Manuel Martínez Hernández.

Janis Joplin (Enterrada viva) --una biografía

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de Myra Friedman

Colección Espiral, serie Canciones 22

336 páginas; formato 15x22cm
ISBN: 978-84-245-1329-0
6ª ed. revisada, febrero 2016

“No puede ser aún, Myra. Quiero que diga la verdad, acerca de las drogas, acerca de todo. Quiero decir, realmente la verdad.”

Janis Joplin habló de este modo a su amiga y colaboradora, Myra Friedman, en un bar de Nueva York, mediado agosto de 1970, sobre la biografía que Janis esperaba que Myra escribiese algún día. Esa biografía es Enterrada viva.
  
Su muerte prematura, acaecida por una sobredosis de heroína a los 27 años, convirtió a Janis Joplin en una leyenda. Y en todas las leyendas aparecen irremediablemente falsedades. Enterrada viva escrita por esta periodista tan cercana a Janis refleja la dura verdad que la cantante conoció en su corta existencia y que quiso compartir con su público.
   Su vida es material ideal para una gran biografía: fue una mujer solitaria y extraordinariamente insegura, cuyo estilo de vida suicida —alcohol, drogas, deprimentes e indiscriminadas relaciones sexuales y una agotadora ambición— le proporcionó gran éxito, riqueza, felicidad momentánea y hasta la muerte. Esta es su historia descrita del modo más fiel posible. Y es también la historia de su tiempo, los locos, violentos, cargados de droga, años sesenta, a los que ella representó tan bien y de los que apenas vio el final.
   Enterrada viva emocionará e impresionará a aquellos que aman a Janis y a aquellos que nunca le hayan oído cantar una sola nota. Además, la versión bilingüe de sus canciones está disponible en Janis Joplin, canciones, el número 58 de esta misma colección.

Sobre la autora:
Myra Friedman nació en Nueva York en 1932 y allí mismo, al poco de ser contratada en la oficina del representante Albert Grossman, conocería a Janis en febrero de 1968. Fue su publicista hasta la muerte de la estrella en octubre de 1970. Durante esos tres intensos años, se convirtió en una verdadera amiga para Janis mientras la acompañaba en su camino a la cumbre.
   Quizá porque al redactarla todavía estaba en pleno duelo, su biografía de Janis Joplin está considerada como uno de los libros más conmovedores escritos sobre una figura del rock; mereció el premio ASCAP-Deems Taylor y fue nominada al Premio Nacional del Libro de Biografía en Estados Unidos. Myra Friedman siguió unida al recuerdo de Janis toda su vida y tanto Steve Banks (Janis Garden Party), como Ann Angel (Janis Joplin: Rise Up Singing), le agradecen públicamente la ayuda que les prestó en la elaboración de sus respectivos libros.
   Periodista, con escritos sobre música, arte y movimientos culturales y sociales contemporáneos, Myra Friedman además de trabajar en la industria discográfica, fue música con especiales conocimientos de jazz y música clásica. Murió de un cáncer 40 años y 12 días después de Janis en la misma ciudad que la vio nacer. Algunos amigos comunes comentan que les agrada imaginar su reencuentro…

Drama, literatura, filosofía. Itinerarios del realismo y el modernismo europeos

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de Andrés Pérez-Simón

Colección Espiral Hispano-Americana 64
192  páginas; formato: 11,3 x 20, 3 cm
ISBN: 978-84-245-1314-6
1ª edición junio 2015

Este volumen propone una nueva conceptualización de la historia de la literatura española y europea mediante el análisis histórico-teórico de tres campos de fuerzas de especial relevancia a finales del siglo xix y en las primeras décadas del xx: la novela dialogada, el teatro filosófico y el drama exuberante. A diferencia de la periodización adoptada por los críticos internacionales en el campo de los Modernist Studies, que abogan por una definición amplia de la idea de “modernismo” para reclamar a Flaubert y Baudelaire como primeros epítomes literarios del movimiento, el presente estudio describe tres líneas evolutivas perfectamente visibles durante todo el siglo XIX.
   El capítulo central funciona como bisagra entre la vía minimalista representada por la novela dialogada y la vía centrífuga del drama exuberante. Las parejas de autores estudiados en profundidad en cada uno de los tres capítulos del libro, Galdós y Joyce; Unamuno y Shaw; Flaubert y de nuevo Joyce, exploran durante décadas los discursos literario, teatral y filosófico, un interés que cristaliza tanto en su obra literaria como en un amplio repertorio de reflexiones presentes en cartas, entrevistas y prólogos.

Andrés Pérez-Simón es profesor de Literatura Española y Crítica Literaria en la Universidad de Cincinnati, EE UU. Ha publicado artículos sobre teoría literaria, teatro, novela y cine, muchos de los cuales pueden consultarse a través de su página personal: www.andresperezsimon.com

La dominación simbólica en la globalización. Una Teoría Crítica sobre la Postmodernidad

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de Blanca Muñoz

Colección Ciencia, serie Sociología 350

304 páginas; formato: 17,2 x 24,2 cm
ISBN: 978-84-245-1306-1
1ª edición mayo 2015

La Postmodernidad no es una mera concepción teórica sino una actitud psicológica y existencial. Esta “era del vacío”, como la catalogaba Lipovetsky, ha impregnado una serie de procesos creativos que han influido en la formación de una teoría y estética específica, estrechamente vinculadas con la perspectiva moral e ideológica derivada del “pensamiento débil”. Nace así una mentalidad global y una industria de la cultura de masas en la que el cine y la música han difundido y generalizado los valores de la razón cínica y sus criterios ideológicos.
   Para comprender los fundamentos que subyacen a la ideología dominante en la globalización contemporánea es fundamental analizar cómo se ha conformado este proyecto de alteración intelectual y de comportamientos sociales, así como la modificación estética y ética de lo que desde el siglo xviii se ha defendido como “la razón ilustrada”. Es tarea de este estudio, por tanto, tratar de hacer efectiva la afirmación de la Teoría Crítica según la cual la misión esencial del pensamiento es “la aclaración racional y crítica de la realidad”.

Blanca Muñoz es licenciada en Filosofía y en Ciencias Políticas y Sociología y doctora por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha recibido el premio extraordinario de Licenciatura, y el premio de Investigación Científica. Actualmente es profesora titular de Sociología de la cultura de masas y Teoría sociológica contemporánea en la Universidad Carlos III de Madrid. En esta misma editorial ha publicado Teoría de la pseudocultura. Estudios de sociología de la cultura y de la comunicación de masas (1995, en el núm. 207); Theodor W. Adorno: Teoría Crítica y cultura de masas (2000, en el núm. 242); Cultura y comunicación: introducción a las teorías contemporáneas (2005, en el núm. 291); y La sociedad disonante: estudios de cultura, ideología y Teoría Crítica (2010, en el núm. 315).

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